Silvestre y La Naranja presentó “Las cosas cambian”, el primer adelanto de su próximo álbum de estudio, previsto para 2027. Después de despedir la etapa de Alter Ego (2025) con dos funciones agotadas en Buenos Aires, la banda integrada por Justo Fernández Madero, Francisco Nicholson, Lucas Grasso y Fernando Laprida comienza a explorar una nueva identidad sonora.El lanzamiento se celebró en un encuentro íntimo en el barrio porteño de La Paternal, donde músicos, fans y prensa compartieron una jornada que se pareció más a una reunión entre amigos que a una presentación formal. En ese contexto, el grupo conversó con Filo.news sobre las decisiones creativas detrás del nuevo material, la transformación de sus objetivos y la importancia de preservar la amistad en medio de las giras y las exigencias de la industria.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/11/07/syln-893605_.jpg"><figcaption>Foto: Cortesía prensa</figcaption></figure><figure class="image"><img></figure><figure class="image"><img></figure><hr><h4>Una nueva etapa para Silvestre y La Naranja</h4>—Para Alter Ego se encerraron durante un mes en la casa de Luco (Lucas Grasso) y armaron un estudio casero. ¿Cómo fue la dinámica de trabajo para este último álbum? ¿Repitieron ese proceso o decidieron explorar otras formas de grabar?Justo Fernández Madero: La verdad que fue una dinámica un poquito más simple. Siempre partimos de maquetas. Nos gusta pasar las canciones de la guitarra a una primera maqueta que armamos nosotros y después, de esa maqueta bastante rudimentaria, pasamos derecho al estudio.Tuvimos esta dinámica de grabar una canción por día. Había que acotarse al tiempo que teníamos y eso te da mucho menos tiempo para enroscarte en si una toma estuvo perfecta o no. Hacés dos tomas de cada parte y pasás. Con las voces también: tres tomas medio completas de la canción y después con eso se armaba.Eso le terminó de dar un color más despojado, más minimalista a la producción del disco. Creo que es el gran diferencial con respecto a Alter Ego u otros discos que hicimos antes. Lo grabamos parte en Ciudad de México y parte en Buenos Aires.<blockquote>Eso le terminó de dar un color más despojado, más minimalista a la producción del disco.&nbsp;</blockquote>Fernando Laprida: También se grabó de una manera más relajada. En Alter Ego hicimos la preproducción en la casa de Luco. En este caso hicimos algo similar en la casa de Juli, el productor, pero después no lo pasamos a un estudio grande. Todo lo que hicimos ahí quedó ahí, entonces tiene ese tinte más relajado.—¿Incorporaron alguna otra dinámica nueva durante la composición?Justo: Para las letras de algunas canciones, aunque no para “Las cosas cambian”, hicimos un experimento: juntarnos con dos amigos letristas, Nicolás Landa y Marcelo "Cuino" Scornik.Era juntarnos una tarde, tomar mates y pelotear las ideas que teníamos con ellos. Abrirle el juego a otras personas fuera de nosotros cuatro para que también nos brindaran otro vocabulario, otras ideas sobre qué hablar.—¿Sienten que trabajar con otras personas también le dio una identidad distinta al disco?Justo: Si mantenés todo muy endógeno entre nosotros cuatro, quizás terminás trabajando siempre con el mismo vocabulario. Intentamos salir de nuestra zona de confort, pero cuando trabajás con otra gente que además tiene mucha experiencia, automáticamente te están tirando data. Creo que le dio un color distinto.Francisco Nicholson: Siempre está bueno cambiar los procesos de disco a disco. Implementar otra manera de grabar, cambiar de productor o incluir letristas. Eso está bueno para darle algo fresco a lo que hacés.<h4>"Los sueños van cambiando también"</h4>—“Las cosas cambian” habla sobre el vértigo del paso del tiempo. ¿Qué sienten que cambió en ustedes desde que comenzaron con la banda hasta hoy?Todos: El pelo (risas)Francisco: Un montón de cosas. Pasó bastante tiempo. Los sueños van cambiando también, los objetivos van cambiando. Cada año nos proponemos cosas nuevas.Tuvimos la suerte de cumplir muchos sueños en el camino. Sin darnos cuenta hicimos muchas cosas que siempre soñamos de chicos: viajar por el mundo tocando, llegar a México, Estados Unidos, Europa, tocar en Obras, tocar en Obras y con Fabiana Cantilo.Y de repente ahora se van abriendo nuevos desafíos, nuevas metas que nos vamos poniendo. Sin querer, las cosas van cambiando en ese sentido. Y personalmente, en diez años, imaginate todo lo que puede cambiar.—Vivimos en un momento en el que la música se consume cada vez más rápido. ¿Cómo hacen para no dejarse llevar por esa vorágine y seguir disfrutando del proceso creativo?Lucas Grasso: Particularmente con este disco, el hecho de que tuviéramos poco tiempo para hacer las cosas nos dio cierta libertad. A pesar de tener menos tiempo, eso significaba que tenías que relajarte mucho, no enroscarte tanto y despojarte del objeto que estabas creando.Por lo menos a mí me dio mucho aire al momento de estar haciendo el disco. Fue algo que me gustó mucho de este proceso, a diferencia de otros en los que tal vez abríamos la sesión, escuchábamos las canciones muchas veces y nos quedábamos pensando en cada detalle.Fran: Acá fuimos más al grueso de la cuestión: meter la canción, hacer dos o tres tomas de cada cosa y seguir adelante. Si funciona, listo.Ferla: También fue decidir en base a lo que sentíamos. Si estábamos grabando y algo se sentía bien, no le dábamos tanto lugar al pensamiento y al análisis. Era decir: "Che, ¿se siente bien? Listo, para adelante". Soltarlo más rápido.<h4>Las cosas (que no) cambian</h4><h4>—Después de tantos años juntos, discos y giras, ¿qué les gustaría que nunca cambie de la esencia de Silvestre y La Naranja?</h4>Justo: Que se mantenga la esencia de cómo se formó el proyecto. Somos cuatro amigos que nos conocemos desde antes de la música y después decidimos conformar el proyecto musical porque ya nos conocíamos y éramos amigos de antemano.Esa magia, obviamente, cuando estás girando todo el tiempo y se mezcla todo entre trabajo, viajes y hermandad, a veces se pone difusa. Pero siempre trabajamos para que se mantenga.Ferla: Lo humano, básicamente. Está bueno que no cambie.Luco: Lo hablamos mucho cuando volvemos de gira. De pronto estamos pensando que la gira que pasó estuvo muy buena y tenemos ganas de que venga la próxima porque la pasamos bien entre nosotros y nos queremos. Eso hace que el proyecto sea muy saludable en algún punto.<figure class="image"><img><figcaption>Foto: Cortesía prensa</figcaption></figure><blockquote>&nbsp;Lo humano, básicamente. Está bueno que no cambie.</blockquote>—¿Esa amistad también funciona como un refugio frente a las presiones que aparecen con el crecimiento de la banda?Justo: Sabés que tenés una familia asegurada, que la elegiste, y que te va a acompañar. Eso también te abstrae un poco del resto de las cosas.Siempre hay presiones de afuera: que tenés que hacer esto, que tenés que hacer lo otro, las redes, los objetivos. Todo eso está y querés cumplir cosas, pero en el fondo sabés que tenés tu pequeño grupo y familia.Si estamos bien nosotros y está más o menos bien la cosa, eso es el motor y el núcleo de todo.<blockquote>&nbsp;Sabés que tenés una familia asegurada, que la elegiste, y que te va a acompañar. Eso también te abstrae un poco del resto de las cosas.</blockquote><hr>Con “Las cosas cambian”, Silvestre y La Naranja inicia el camino hacia su próximo trabajo discográfico, después de álbumes como Supersticiones (2021), Sueño Cítrico (2023) y Alter Ego (2025). Una nueva etapa en la que la banda apuesta por otros procesos creativos y nuevas formas de composición, mientras busca preservar aquello que, según sus integrantes, sostiene el proyecto desde sus comienzos: la amistad.

En diálogo con Filo.news, la banda habló sobre su nueva etapa musical, la libertad creativa y los desafíos de reinventarse sin perder su identidad.

En diálogo con Filo.news, la banda habló sobre su nueva etapa musical, la libertad creativa y los desafíos de reinventarse sin perder su identidad.

Silvestre y La Naranja: "Las cosas cambian", nuevo álbum en camino y la amistad que los une

Silvestre y La Naranja: "Somos cuatro amigos desde antes de la música"

<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://filo.news/noticia/2026/09/09/ronnie-wood-suma-una-fecha-en-rosario">Ronnie Wood</a> llegó a Buenos Aires y la ciudad se revolucionó. Las entradas no estaban agotadas hasta última hora y parecía que la fiebre stone no terminaba de calar, pero no fue así. Pasó por Otro día perdido, programa de Mario Pergolini y rompió todas las redes. "Son el mejor público del mundo", dijo el guitarrista. Y es que no todos los países tienen una identidad stone tan marcada como la Argentina. Acá se hizo de su música una filosofía de vida y bailamos, cantamos y agitamos cada vez que suena una de sus canciones.En la previa del show llamaba la atención como diferentes generaciones compartían el mismo espacio, incluso niños. Cruzamos a uno, posiblemente el más stone. No tenía más de 12 o 13 años y vestía una casaca de Argentina con la cara de Ronnie. “Se la voy a tirar”, me dijo. Cuando arrancó el show, estaba delante mío arriba de los hombros de un amigo suyo (supongo), gozando It’s only rock’n’roll (but i like it) y cuatro temas después la remera ya estaba en manos de Ronnie.El pibe tenía foto con Mick Jagger y también con Ronnie. “Me falta Keith Richards”, me dice. Y solo atino a responderle: “Mi favorito”. Nos miramos con una colega y asentimos: qué lindo que sigan habiendo pibes en estos shows y que sean los herederos de esta hermosa cultura.Ésta es una pequeña reseña para entender el significado de The Rolling Stones en la Argentina y la locura que generan en nuestra gente. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.turboentrada.com/landing/ronnie-wood?idEspectaculoCartel=17406&amp;cHashValidacion=f73c48b51c3ecae800fa543c09dccb8d38361b6f">Ronnie ahora va a continuar su gira Fearless: The Antology 1965-2025 por Rosario</a>, ciudad a la que irá por primera vez a tocar.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/11/07/DF_-_ROONIE_WOOD_-38164_.jpg"></figure>El inicio estuvo a cargo de la banda más rollinga de la Argentina: Ratones Paranoicos. Una vez más, Juanse, Sarco, Memi y Roy se subieron a telonear a un stone. En esta oportunidad, a Ronnie con su proyecto solista y no dejaron un bache. La gente saltaba, agitaba y cantaba todos los hitazos que tiene esta bandaza. Rock del Pedazo, Ya morí, Cowboy, El rock del gato, La nave y Para siempre con un guiño a Diego Armando Maradona. Juntos, estuvieron con The Rolling Stones en la gira de 2006.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/11/07/DiseÃ±o_sin_tÃ­tulo3862_.jpg"></figure>Desde las 20.15 se abrieron los primeros pogos, volaron las primeras cervezas por el aire y un hombre, que aparente estaba solo y necesitaba compartir la sensación que le generó Ratones, se da vuelta y dice: “Esto es increíble, ¡que show!”. Sí, los Paranoicos nunca fallan y la previa de un Stone no puede ser de otra manera.A las 21.02, cuando todos estaban aún comprando sus cervezas tranquilos porque el show siempre se demora 15 minutos, salió Ronnie. No llegó a saludar porque los micrófonos estaban apagados, pero hizo sonar su guitarra y con It’s only rock’n’roll (but i like it) dijo buenas noches. La lista no estaba colmada de canciones de The Rolling Stones, por eso cada una de ellas se vivió como si fuese la última. Can't you hear me knocking, con Chanel Haynes e Imelda May, sonó impecable.Repasó su etapa por Faces junto a Rod Stewart, hizo canciones solistas y algunos covers. Los riff eran los más coreados y cantados. Incluso, aprovechó para seguir con la guitarra el cántico de “vamo’ los stones”.Impecable a sus 79 años, tocó casi dos horas sin parar. La única pausa llegó al momento de ponerse la camiseta de Argentina con un 10, guiño a Diego o a Leo -quien espera que lo vaya a ver a Rosario-, y su nombre arriba.Que honor recibir un stone en la Argentina. Después de 10 años, Ronnie volvió a estas tierras pampeanas que supieron acobijarlo desde 1995. ¿Será la última vez que veremos un stone en la Argentina? ¿O puede funcionar como puntapié como Keef en los 90’s?&nbsp;

Y un día un stone volvió a la Argentina, nos hizo bailar, saltar y gritar. Pasaron 10 años, publicaron dos álbumes y aún no pudieron volver a Sudamérica. ¿Será la última vez o un puntapié como Keef en los 90’s?

Y un día un stone volvió a la Argentina, nos hizo bailar, saltar y gritar. Pasaron 10 años, publicaron dos álbumes y aún no pudieron volver a Sudamérica. ¿Será la última vez o un puntapié como Keef en los 90’s?

Ronnie Wood en la Argentina: un stone suelto en Buenos Aires y mucho rock and roll

Hay desafíos que ponen a prueba el talento y otros que obligan a descubrir hasta dónde puede llegar. El próximo 7 de noviembre, Gazir se enfrentará a uno de los retos más exigentes de su carrera: disputar 200 batallas de freestyle en una sola jornada, en la Laboral Ciudad de la Cultura de Gijón, Asturias. Bajo el nombre "Gazir contra Todos", el español buscará llevar la improvisación a un territorio desconocido, donde la velocidad mental no será suficiente y la resistencia tendrá un papel tan importante como las rimas.El formato no deja demasiado margen para los errores. Durante 12 horas, Gazir deberá completar 150 enfrentamientos individuales y otros 50 en formato 2vs1, frente a una lista de hasta 250 competidores. Cada batalla tendrá seis entradas bajo el formato 4x4 y el freestyler contará con apenas cuatro minutos de descanso cada dos bloques de veinte enfrentamientos.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/11/06/SI2026071804324653_.jpg"></figure>Además, una barra de vida marcará el límite: diez derrotas serán suficientes para dar por terminado el desafío. Entre los nombres confirmados aparecen figuras de distintas generaciones y escenas, como el argentino Mecha, Aczino, Valles-T, McKlopedia, Bnet, Blon, Piezas, Noult, Zasko e Invert.Para llegar preparado, Gazir tuvo que abordar el desafío casi como un atleta de élite. En diálogo sobre su preparación, explicó que el entrenamiento involucró mucho más que practicar respuestas o perfeccionar estructuras: trabajó sobre la nutrición, la suplementación y el acondicionamiento físico de todos los músculos y partes del cuerpo que intervienen durante una jornada de semejante exigencia. "Un entrenamiento muy de atleta de élite prácticamente, de fijarte en cada parte de tu cuerpo, cada músculo, cada hueso y el cómo potenciarlo al máximo para el trabajo que van a tener que hacer", explicó. La garganta, la respiración y la resistencia física serán fundamentales, pero también deberá administrar una energía que nunca antes necesitó sostener durante tantas horas consecutivas.Sin embargo, uno de los mayores desafíos estará en su cabeza. Reconocido por su capacidad de cálculo mental, velocidad de respuesta y asociación de conceptos, Gazir confía en trasladar al escenario una resistencia que ya forma parte de su manera habitual de entrenar.&nbsp;También sabe que el cansancio puede modificar su rendimiento y que deberá aprender a convivir con la frustración. "Es de los problemas que más he tenido en mi carrera a nivel de autoexigirme demasiado", reconoció. Incluso contó que durante los ensayos llegó a cuestionarse después de la batalla 112 por no haber estado a la altura de sus propias expectativas. Para él, aceptar que el nivel puede bajar será parte de la estrategia.En ese sentido, hay una habilidad que considera determinante: su "nivel suelo", es decir, la capacidad de mantenerse competitivo incluso cuando no atraviesa su mejor momento. Gazir entiende que no necesariamente deberá ganar todas las batallas con actuaciones extraordinarias, sino evitar que los enfrentamientos igualados se conviertan en derrotas. "En esas batallas igualadas es donde hay que mantenerse, agarrarse hasta el último clavo ardiendo y conseguir que caigan de tu lado", explicó. La variedad de rivales, formatos y estímulos también será una oportunidad para recuperar la frescura y darle lugar a la improvisación espontánea.El antecedente de Arkano, que en 2016 rapeó durante más de 24 horas en la Plaza de Callao, aparece como una referencia de los límites que el freestyle ya se animó a explorar. Pero Gazir propone otro camino: en lugar de medir la resistencia únicamente por el tiempo, deberá sostener su nivel frente a decenas de MCs con un margen de error muy reducido. "Demuestra que quedan cosas nuevas y distintas por hacerse", sostuvo sobre el significado del evento.&nbsp;El 7 de noviembre, en Gijón, no se tratará solamente de contar cuántas batallas puede ganar, sino de descubrir hasta dónde puede llegar un freestyler cuando la improvisación se convierte en una prueba de resistencia.

El MC español se enfrentará a una prueba inédita de resistencia: deberá completar 200 batallas en 12 horas, con hasta 250 rivales y un máximo de diez derrotas. Detrás del desafío hay meses de preparación física, mental y vocal para sostener la improvisación hasta el último enfrentamiento.

El MC español se enfrentará a una prueba inédita de resistencia: deberá completar 200 batallas en 12 horas, con hasta 250 rivales y un máximo de diez derrotas. Detrás del desafío hay meses de preparación física, mental y vocal para sostener la improvisación hasta el último enfrentamiento.

Gazir contra todos: el desafío de 200 batallas que llevará el freestyle al límite 

Cuando se habla de la escena electrónica globlal, el nombre de Faithless es ineludible. A mediados de la década del '90, esta banda de origen británico irrumpió con himnos que marcaron a toda una generación y que aún hoy, más de 30 años después, siguen sonando en los grandes festivales. "Insomnia" o "God Is a DJ" son sólo algunos de los nombres que marcaron su amplio repertorio, con el cual redefinieron el sonido en las pistas de baile.Detrás de estas piezas se encuentra Ayalah Deborah Bentovim, más conocida como Sister Bliss, productora, DJ y uno de los pilares creativos detrás del grupo. El próximo 14 de noviembre, se presentará en una nueva edición de Creamfields en el Parque de la Ciudad de Buenos Aires bajo el formato Faithless Sound System.Esta versión sintetizada de la banda en vivo reúne a tres mujeres sobre el escenario (ella junto a dos cantantes y percusionista), planteando una presencia femenina contundente y enérgica en un género históricamente dominado por figuras masculinas.En diálogo con Filo.news, la artista reivindica la pista como un espacio de encuentro, refugio y trinchera. Además, señala que en un mundo atravesado por tensiones sociales, políticas y crisis ambientales, las nuevas generaciones poseen una búsqueda genuina de comunidad y esperanza a través de la música. &nbsp;&nbsp;A lo largo de la conversación, la música británica también reflexionó también sobre la curaduría de los festivales actuales, la longevidad de sus clásicos en la era del streaming y los debates éticos y artísticos que rodean el auge de la inteligencia artificial.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/11/06/Dlbux5BE1695_.jpeg"><figcaption>Faithless Sound System está integrado por tres mujeres. Se presentarán el próximo 14 de noviembre en el Parque de la Ciudad.</figcaption></figure>- ¿Cuándo fue tu última vez en Argentina?- Hace unos años vinimos con Faithless, con el grupo, y esta vez será con Faithless Sound System, así que es una formación más pequeña, pero es como una especie de destilación de la banda en vivo. Y esta vez somos tres de nosotras de la banda. Creo que es toda una declaración de principios que seamos tres mujeres trayendo la música de Faithless, trayendo esa energía en vivo. Y obviamente viniendo a Sudamérica, siendo la tierra de la percusión y de la energía latina. Estoy muy emocionada de ver cómo esto va a conectar con el público.- Creamfields volvió a Argentina hace dos años, después de un parate, ¿cuáles son tus expectativas para esta próxima visita?- Bueno, creo que ha sido una época de agitación política en todo el mundo, y especialmente en Sudamérica. Y siento que tal vez hay una nueva energía y una nueva esperanza, para la gente joven, especialmente. Y la música dance ya tiene 30 años, y tiene este nuevo público. Así que tengo muchas esperanzas de que traigan todos sus problemas y estrés y de algún modo entiendan que hay poder en la experiencia colectiva. Para mí, la música dance no es solo una celebración y olvidar todos los problemas, dolor; es un lugar para celebrar, pero también para entender que estamos mejor juntos. Escribimos una canción llamada "We Come 1" y trata sobre que dejemos de pelear, que necesitamos salvarnos a nosotros mismos, necesitamos salvar el planeta. Y tal vez la música dance no sea el lugar indicado para hablar de esto, pero para mí Faithless siempre se ha situado en un espacio diferente al de otros artistas: hay música con un mensaje.&nbsp;- Hay un mensaje político muy fuerte en lo que estás diciendo&nbsp;- ¡Sí! Eso espero, porque no creo que puedas estar en el mundo e ignorar lo que está pasando en él. La música dance es una comunidad y una familia para mí, pero las personas que están en nuestra comunidad provienen de todos los ámbitos de la vida, de todas partes del mundo, y han experimentado. No todo el mundo vive en un avión y en un hotel, ¿sabes? Vivís la vida real, te afecta el mundo que te rodea. Y creo que cuando toco en un gran festival, es muy emocionante. Primero, para recordarme a mí misma el talento que hay allá afuera y la pasión, pero también que muchas personas ahora son activistas. Han visto que la música dance es un lugar donde podemos debatir de todo: desde energía verde, hasta inclusión, raza, género, clase social, acceso a la música. Así que para mí, como alguien que ha estado en esta industria por más de 30 años, ahora siento que se ha convertido en un lugar real que genera miles de millones de dólares en todo el mundo. Es importante que abordemos todas las preguntas y problemáticas, como artistas y profesionales, que afectan a cualquiera en cualquier trabajo. Nuestras horas de trabajo no están reguladas. Tuve un bebé, ahora tiene 20 años, pero no tuve licencia de maternidad paga, no había red de seguridad para mí como música y DJ independiente. Y he tenido una gran vida, pero quiero proteger a la próxima generación que viene. Así que Creamfields, por supuesto, es una celebración de lo mejor, lo mejor que hay en la música electrónica. Qué increíble reunir a todos aquí. Pero al mismo tiempo, es parte de una conversación más grande. Me siento muy afortunada de ser parte de la conversación, pero soy una mujer en un ámbito muy dominado por hombres, así que de una forma muy pequeña, para mí, que incluso me ofrezcan un lugar en un festival tan grande e importante significa mucho, porque Faithless Sound System este año son tres mujeres. Dos integrantes de la banda, dos cantantes y percusionista y yo. Ellas tocan en nuestra banda en vivo, que usualmente son siete personas, pero no podemos permitirnos traer a toda la banda a Sudamérica en esta ocasión, así que esto es lo segundo mejor. Tienes un DJ set, pero espero que eso conecte con Faithless, el artista más grande, por así decirlo. Y estas mujeres están en mis álbumes. Estamos haciendo una declaración colaborativa, creo. Y estoy muy emocionada musicalmente. &nbsp;&nbsp;- Con Faithless hicieron algunos de los mayores himnos de la música electrónica, como Insomnia, como God Is a DJ. ¿Por qué crees que estas canciones todavía resuenan tan intensamente con generaciones que ni siquiera habían nacido cuando salieron? &nbsp;- Creo que ese es el poder del streaming. Tenés acceso a toda esta música que cuando salía en vinilo, si se agotaba, se acabó, ya no está. Tenés que seguir imprimiéndolo. Ahora estamos en la era digital; la gente puede sumergirse en cualquier música que quiera. Mi hijo, escucha a The Beach Boys y luego escucha a Jay-Z, luego pone a Eric Prydz, luego a Faithless. Ha descubierto a The Crystal Method, ¿te acuerdas de ellos? Eran unos tipos de breakbeat de los 90. ¡Su gusto musical es tan raro! No está atado a ningún tiempo y espacio del modo en que mi pasión por la música, ya sabes, creció a través de los 70, los 80, los 90. y luego me quedé atrapada en la música house y realmente no he avanzado. Estoy en el mismo lugar. &nbsp;- Sobre el line-up de este festival, hay una fuerte presencia de techno. ¿Cómo analizás esta formación?- Es enorme, es una música popular a nivel mundial. Yo diría que nuestra música va más en la línea de lo progresivo. Me encantan DJs como Hernán Cattáneo, es como un dios. Y solíamos ser residentes en The Gallery, en Turnmills Club en Londres, y él fue un invitado durante muchísimos años, en rotación. Así que también siento que, especialmente en Creamfields, ese tipo de música funciona muy bien. Si tenés techno toda la noche, todo el tiempo, supongo que puede ser un poco implacable, y la idea del festival es que haya color, haya luz y estén representados todos los diferentes géneros, no solo el techno. No está tan encasillado en un solo estilo, solo un sonido. Para Faithless, siempre hemos sido multigénero. Hicimos Mass Destruction, que tenía unos 142 BPM, y hacemos música que es casi ambiental, sin ritmos. Así que creo que la música es abierta, y la experiencia de un DJ creo que debería construirse. Para mí, Creamfields tiene mucha experiencia armando line-ups para que haya un viaje a través de la música. Y eso viene de muchos años de entender qué es popular, pero también de saber que no podés tener un golpe implacable desde el primer acto. Tiene que haber etapas para que vaya subiendo y subiendo, y al final decir: "¡Ya está, me rindo ante el techno!".- ¿Usas herramientas de inteligencia artificial en tus producciones? ¿Y qué pensas sobre estas herramientas de IA?- Solo he usado una para extraer una voz de una pista antigua de la que perdimos todas las pistas maestras, así que compré nuestra propia pista en Beatport para separar la voz y recrear nueva música alrededor de esa voz en particular. Y es una canción que ahora incluimos en nuestro show en vivo, pero perdimos el audio hace muchos años porque tiene 30 años. Así que en esa ocasión, solo para obtener la versión a capela, usé una herramienta que la separa. &nbsp;&nbsp;- Pero no para producción. &nbsp;&nbsp;- No, ¿dónde está la diversión en eso? No, he pasado años practicando, aprendiendo, usando mis oídos ¿Cuál sería el punto? Todo puede pasar muy rápido, pero también creo en la calidad, creo que hay algo orgánico y humano en nuestra música que ninguna máquina puede replicar. Esa máquina nunca tendrá un corazón roto. Una máquina solo puede aproximarse a eso. Y sé que Hugel ha tenido el track más grande del año, pero la voz fue cantada originalmente por un ser humano real y luego él usó IA para crear la pista; sé que ha generado mucho debate. Pero para mí, en Faithless, cuando venís a un espectáculo, siempre está el elemento de una persona, un ser humano que ha vivido la vida y quiere transmitir un mensaje y una postura al mundo. Y eso proviene de la experiencia vivida. Vivo esta vida, quiero poner eso en mi música y en las personas con las que trabajo. Trabajamos con increíbles artistas de spoken word, poetas, que son muy filosóficos. Y para mí, como Maxi Jazz, que ya no está con nosotros, él marcaba una postura. Y no vas a conseguir un robot que pueda aproximarse a la vida de un joven negro que creció en el Londres racista de los años 50 y 60, que vivió el hip-hop, el punk, vio a Bob Marley en vivo, empezó a hacer ritmos, a escribir rimas, descubrió el budismo y luego nos conoció a mí y a Rollo. Una máquina no puede hacer eso. Siempre será una especie de facsímil: similar, similar, pero no la misma cosa.&nbsp;- Sólo una pregunta final: un mensaje para Argentina&nbsp;- Manténganse fuertes. Es muy importante seguir celebrando nuestra humanidad, porque hay mucho en el mundo que te hace sentir no humano, mal: guerras, corrupción, momentos muy difíciles políticamente y, por supuesto, el medio ambiente. Pero luego vemos lo que sucede en Brasil, sus vecinos, y en Serbia, hay jóvenes que dicen 'queremos un mundo diferente'. Así que espero que la música dance se sienta como un lugar donde podamos celebrar eso juntos.&nbsp;

La productora y DJ británica se presentará el próximo 14 de noviembre en Creamfields con Faithless Sound System.&nbsp;

La productora y DJ británica se presentará el próximo 14 de noviembre en Creamfields con Faithless Sound System.&nbsp;

Sister Bliss, de Faithless: "Nunca vas a conseguir que la IA pueda aproximarse a la vida"

Todos los lanzamientos semanales, esuchalos y encontralos acá.

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Gauchito Club, George Michael, Queen, Dease y más artistas en los estrenos de la semana

<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2026/05/26/don-osvaldo-anuncio-su-primer-show-en-huracan-el-proximo-5-de-diciembre-como-conseguir-entradas">Don Osvaldo</a> lanzó "La indiferencia", el primer corte de su próximo disco de estudio. Con mucha actualidad, un sonido crudo de guitarras y hasta gaitas, el tema deja señales de lo que será su nuevo álbum que se editará en 2027. El adelanto llega en la previa de su show en el estadio de Huracán, donde la banda desembarca por primera vez.&nbsp;Con una mirada crítica del mundo que habitan, el grupo liderado por Patricio Fontanet vuelve a poner el foco en la actualidad política y social. Con pasajes como "si los dientes apretados, si la furia imparable, si la rabia y sus resabios, si la muerte inexplicable, no te violenta, ni acribillan como pesadillas en tu cerebro, entonces no queda nada entre vos y lo que siento", demuestra qué es lo que hoy a la banda le resuena de la coyuntura.Las imágenes del video con peces que son granadas y un vidrio que se fractura del inicio, hablan no solo de una argentina, sino un mundo que en medio de guerras se rompe. &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=E_IFXANwFk4&amp;list=RDE_IFXANwFk4&amp;start_radio=1"></oembed></figure>"Si lo enfermo y lo insano, si la lágrima del hambre no te violenta, ni acribillan como pesadillas en tu cerebro, entonces no queda nada entre vos y lo que siento", canta Don Osvaldo en un país sumido en una crisis económica, donde el Gobierno de turno recorta partidas en discapacidad.Don Osvaldo se presentará el próximo en Estadio Tomás Adolfo Ducó en el barrio de Parque Patricios. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="http://EDENENTRADAS.COM">Las últimas entradas disponibles se encuentran por Eden</a>.

"Si lo enfermo y lo insano, si la lágrima del hambre no te violenta, ni acribillan como pesadillas en tu cerebro, entonces no queda nada entre vos y lo que siento", canta Don Osvaldo y deja señales de lo que traerá el nuevo álbum que editarán en 2027.

"Si lo enfermo y lo insano, si la lágrima del hambre no te violenta, ni acribillan como pesadillas en tu cerebro, entonces no queda nada entre vos y lo que siento", canta Don Osvaldo y deja señales de lo que traerá el nuevo álbum que editarán en 2027.

Don Osvaldo lanzó "La indiferencia", el primer adelanto de su nuevo disco

Desde el lanzamiento de la primera canción y shortfilm sumado a la reciente llegada del álbum completo, el furor en redes, plataformas y las ganas de bailar no pararon de crecer. A sólo días de su estreno, el proyecto ya supera los 5 millones de reproducciones globales en plataformas digitales, consolidándose como uno de los lanzamientos más escuchados de la temporada. Formado por 10 canciones, escritas por Lali, Juliana Gattas y Ale Sergi, producido artísticamente por Ale Sergi y Mauro de Tommaso, el álbum ya se encuentra disponible en vinilo, CD y digital. &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=2NA1YLusX8w&amp;list=RD2NA1YLusX8w&amp;start_radio=1"></oembed></figure> Bombo en negra, teclados, sintetizadores y sobre todo ritmo para bailar sin parar, el tracklist comienza con la canción que da nombre al proyecto y marcó el punto de partida de esta nueva etapa &nbsp;“Bailar o Morir”, sigue con “Señora”, “En Italia”, “Migajas”, “Adonde”, &nbsp;“Hiperlove”, “Ganar”, “Piel”, “Helecho”, &nbsp;y finaliza con la ya icónica y viral “Vivo del Pop”. Con el universo BOM como punto de encuentro, ahora el proyecto lleva su identidad a otro plano y propone una experiencia en vivo y en directo donde la música, el movimiento y la celebración son protagonistas. Entre clásicos de ambos artistas que ya son parte de la historia del pop, BOM transforma la potencia pop de Lali y Miranda! en una experiencia colectiva: una invitación a encontrarse en la pista, disfrutar, bailar y entregarse al movimiento en total libertad.BAILAR O MORIR es una declaración de principios, un manifiesto y una manera de ser en el mundo. Bailar no es un complemento ni un adorno: es el acto emocional central, una forma de libertad, de resistencia y de celebración de la propia identidad. &nbsp;Las entradas pueden conseguirse <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.movistararena.com.ar">acá</a>. Preventa Banco Provincia: 6/11 a las 10 hs. Visa y Mastercard hasta 12 cuotas sin interés. Venta general: una vez agotada la preventa. &nbsp;

BOM sale a la pista para presentar en vivo su álbum debut, BAILAR O MORIR, con un show que transforma el escenario en una fiesta pop y el campo en un gran dancefloor: canciones nuevas, grandes éxitos y una invitación directa a bailar. &nbsp;

BOM sale a la pista para presentar en vivo su álbum debut, BAILAR O MORIR, con un show que transforma el escenario en una fiesta pop y el campo en un gran dancefloor: canciones nuevas, grandes éxitos y una invitación directa a bailar.&nbsp;

 BOM lleva su universo a la pista y anuncia Únicas 3 fechas en vivo en Buenos Aires

Integrado por cuatro artistas de China, Taiwán, Corea del Sur y Japón, el nombre del grupo combina la “X”, símbolo de lo desconocido y las infinitas posibilidades, con “LOV”, una representación de un amor incompleto que encuentra su significado en la conexión con sus seguidores.Wumuti, Rui, Hyun, y Haru debutaron en enero de 2025 con el sencillo “I'mma Be”, y hasta hoy publicaron tres mini álbumes. Formado bajo el sello 257 Entertainment, ahora la banda está manejado por WM Entertainment.La banda explicó que la idea no apunta a la identidad personal ni musical de sus integrantes, sino a romper con los estereotipos sobre qué le "corresponde" a cada género dentro de la música y la performance.El cuarteto ha cautivado a la crítica especializada y a su comunidad de fans, conocida mundialmente como EVOL, gracias a su versatilidad vocal, potentes performances con guiños al vogueing y una estética andrógina sumamente cuidada.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DfF7A8fHBLX/?img_index=1"></oembed></figure>Lo que hace a este grupo único es su constante participación en todo. Desde el vestuario hasta la composición de las letras, cada integrante toma inspiración de diversas fuentes y colabora en cada etapa de la producción. XLOV surge directamente de su pluma y papel de sus manos.El tercer mini álbum del grupo, 'i=!', profundiza en cuestiones existenciales sobre una vida que se transforma según las decisiones tomadas y las posibilidades de aquellas vidas no elegidas. En ocho canciones, donde también cantan en duetos, la obra retrata el miedo, el terror y la confusión que surgen a raíz de una elección, al tiempo que plasma el universo de esa otra posibilidad que no llegó a materializarse."Aunque considero que todavía es demasiado pronto para un grupo como XLOV en el K-Pop, un lugar que comenzó con veteranos increíbles, trabajamos con la mentalidad de abrir una ventana en un muro que carecía de ella. De cara al futuro, queremos ser una fuente de inspiración y fortaleza para muchos artistas y aprendices que debutarán más adelante; dado que nosotros mismos hemos pasado por muchas preocupaciones y dificultades, esperamos convertirnos en unos excelentes referentes para quienes, en el futuro, subirán al escenario" expresó Wumuti en el evento de presentación de 'i=!'.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=ae9Xvl-eln8"></oembed></figure> En un mundo donde es cada vez más común torcer los estereotipos de género en distintos ámbitos, aunque todavía una parte de la sociedad sigue rechazando diversidades, XLOV es un grupo asiatico propone eso: rechazar las normas para que la gente encuentre su voz a través de buena música e interpretaciones.El show en nuestro país llega en un momento de fuerte expansión del K-pop en la región, donde miles de fanáticos argentinos siguieron de cerca el crecimiento del grupo desde sus primeros lanzamientos a través de redes sociales y plataformas digitales.En Argentina se presentarán el 25 de noviembre en C Art Media, en el marco de su primera gira por Latinoamérica. Tickets a la venta a través de passline.com &nbsp;

A pocos días de su presentación en Argentina, te contamos de qué trata el grupo con un futuro prometedor y un estilo único en la música asiática.

A pocos días de su presentación en Argentina, te contamos de qué trata el grupo con un futuro prometedor y un estilo único en la música asiática.

XLOV: el grupo de K-Pop que rompe las normas de la música oriental llega a la Argentina 

XLOV: el grupo de K-Pop que rompe las normas de la música oriental

El primer Papa “latinoamericano por adopción” eligió y recibirá el Folklore como el género que representa a la identidad argentina. Porque el folklore es mucho más que música.&nbsp;Es una forma de encontrarse, es el saber popular que se transmite de generación en generación, las canciones que forman parte de nuestra memoria colectiva y las costumbres que acompañan la vida cotidiana de millones de argentinos. Es identidad, pertenencia y una de las expresiones culturales más profundas del país.Los &nbsp;artistas que tendrán la oportunidad serán: Abel Pintos, Jorge Rojas, Nahuel Pennisi, Maggie Cullen, Campedrinos, Carafea, Santiago Tucumán, Ballet Sumampa, Tati Domínguez “representando al norte”, Corrientes Purajhei y Tradición Serrana.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/11/04/artistas2259_.png"></figure>Desde Córdoba hasta Luján, nuestra música va a acompañar cada paso de León XIV, el Papa que vivió dos décadas en Latinoamérica. Llega en el mejor momento del folklore: según Spotify, sus reproducciones crecieron 1.645% en diez años, aparece en más de 16,5 millones de playlists en todo el mundo y la Generación Z lo adopta como parte de su identidad.&nbsp;Tanto es así que, diez días después de la visita, el 21 y 22 de noviembre, Buenos Aires recibe al Festival República Folklore, el primer gran festival de folklore de la Ciudad.EL PRIMER GRAN FESTIVAL DE FOLKLORE DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRESA menos de un mes de su primera edición, el Festival República Folklore será una experiencia que transformará a la Ciudad de Buenos Aires. Con más de 50 artistas, 4 escenarios y más de 12 horas de música por día, República Folklore reunirá a los grandes artistas del género y a nuevas generaciones en una celebración que combinará música, gastronomía, experiencias e identidad argentina. &nbsp;Una vivencia inmersiva a través de diversos espacios: &nbsp;La Pista de Baile: Un espacio de más de 1.000 m² ubicado frente a los dos escenarios principales, diseñado para que el público participe activamente del baile y la celebración. &nbsp;La Pulpeña: Un rincón que recrea la mística de los antiguos almacenes de campo. Será el punto de encuentro ideal para hacer una pausa, disfrutar de la cocina hogareña y sumarse a la magia de las guitarreadas compartidas. También será un espacio dedicado al pensamiento y la reflexión. Historiadores, músicos, académicos y referentes del tradicionalismo se darán cita para debatir y pensar el folklore como una cultura viva en constante evolución, más allá de su carácter de herencia &nbsp;El Patio Regional: Un polo gastronómico que rendirá homenaje a las cocinas originarias y tradicionales de cada provincia argentina, acompañado por un mercado de artesanías con piezas únicas elaboradas mediante técnicas heredadas. &nbsp;

Los artistas se preparan para representar al país con lo mejor de nuestras raíces y cantarle a León XIV en su visita histórica a Latinoamérica.&nbsp;

Los artistas se preparan para representar al país con lo mejor de nuestras raíces y cantarle a León XIV en su visita histórica a Latinoamérica.&nbsp;

El Folklore representará a la música argentina en la visita del Papa

Después de una gira por Europa que incluyó festivales y varios shows con entradas agotadas, Ilan Amores regresará a Buenos Aires para presentarse el viernes <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.allaccess.com.ar/event/ilan-amores-despide-el-anio-en-el-roxy">20 de noviembre en The Roxy Live</a>.&nbsp;El recital marcará el cierre de su año en la Ciudad de Buenos Aires, después de un recorrido internacional que pasó por más de 17 escenarios, entre ellos Fusión Festival, Río Babel y Rototom Sunsplash. También se presentó en Madrid, Barcelona, Valencia, Berlín, Copenhague y las Islas Canarias.Durante esos conciertos, Ilan llevó a escena las canciones de “El Internacional”, su último EP, un trabajo que profundiza la identidad de un proyecto difícil de encasillar en un solo género. La propuesta combina letras sensibles y crudas con bases electrónicas y ritmos alternativos, en una búsqueda que encuentra en la cumbia uno de sus principales puntos de partida.<h4>De la escena independiente argentina a los escenarios europeos</h4>Criado en Misiones, Ilan Amores comenzó a consolidar su recorrido musical como bajista de Argies, antes de desarrollar su carrera solista. En 2017 publicó UNO, su primer álbum, y dos años después lanzó Chico Chico, un disco que terminó de delinear su identidad artística.Con el tiempo, la cumbia ganó cada vez más protagonismo en su música. Entre 2021 y 2022 publicó canciones como “Patoti”, “Tereré”, “El Ladrón” y “Para Qué”, esta última junto a Damas Gratis. La colaboración con Pablito Lescano volvió a cruzar su camino con el referente de la cumbia villera y tuvo continuidad en “Tiro Tiro”, un lanzamiento que alcanzó viralidad.En 2024 se incorporó a Caraza Records, el sello dirigido por Peter Ehrlich y Evlay, con quienes publicó Caballo Negro, producido por ONIRIA. Ese trabajo funcionó como un punto de inflexión en su carrera y reforzó su lugar entre los referentes de la cumbia alternativa argentina.A la experiencia europea, se suma su participación confirmada en el Cosquín Rock 2027. Antes, tendrá una nueva oportunidad de encontrarse con el público local en The Roxy Live, en una fecha que reunirá las distintas etapas de un proyecto que busca correr los límites entre géneros.

El músico misionero cerrará el año el 20 de noviembre en The Roxy Live. Con un sonido que cruza ritmos populares, bases electrónicas y espíritu punk, el músico recorrió 17 escenarios europeos y también fue confirmado para el Cosquín Rock 2027.

El músico misionero cerrará el año el 20 de noviembre en The Roxy Live. Con un sonido que cruza ritmos populares, bases electrónicas y espíritu punk, el músico recorrió 17 escenarios europeos y también fue confirmado para el Cosquín Rock 2027.

Del punk rock a la cumbia: Ilan Amores cierra el año en Buenos Aires después de su gira por Europa

Después de una revelación progresiva a través de sus redes oficiales, BOM presenta su <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://open.spotify.com/intl-es/album/1frExSoHTSVKR2Cke2ihIP?si=VX9woatXRDujjPOTX5C3zQ">álbum debut</a>. El puntapié inicial de este lanzamiento se dio el pasado 27 de octubre, cuando se estrenó el primer single, “Bailar o Morir”, acompañado de un short film que funcionó como puerta de entrada a su universo, se apoderó del pulso digital y fue furor absoluto en redes y plataformas.Formado por 10 canciones, escritas por Ale Sergi, Lali y Juliana Gattas, producido artísticamente por Ale Sergi y Mauro de Tommaso, el álbum ya se encuentra disponible en vinilo, cd y digital junto con sus correspondientes videoclips. En cuanto al formato físico, este 3 de noviembre se habilitó la venta del vinilo transparente exclusivo firmado por los artistas en El Ateneo Grand Splendid hasta agotar unidades en stock. El resto de las ediciones físicas (vinilos rojos y CDs) se comercializarán en todas las tiendas a partir del 4 de noviembre.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=2NA1YLusX8w"></oembed></figure> Bombo en negra, teclados, sintetizadores y sobre todo ritmo para bailar sin parar, el tracklist comienza con la canción que da nombre al proyecto y marcó el punto de partida de esta nueva etapa &nbsp;“Bailar o Morir”, sigue con “Señora”, “En Italia”, “Migajas”, “Adonde”, &nbsp;“Hiperlove”, “Ganar”, “Piel”, “Helecho”, &nbsp;y finaliza con la ya icónica y viral “Vivo del Pop”. Sobre el proceso de creación y el impacto de colaborar con grandes referentes del género, Lali comparte: “Yo empecé a bailar y jugar con la música y ya estaban sonando las primeras canciones de Miranda!. Son artistas que me han acompañado siempre como fan del pop. Mi niña está profundamente conmovida con esta oportunidad de la profesión y de la vida. Trabajar con ellos en el estudio es como hacer un master en una carrera. Aprendí muchísimo de la energía vital de Juli y de lo que sabe Ale a nivel musical, fue una experiencia increíble trabajar juntos”.Miranda! aporta su perspectiva sobre el origen del álbum : “Durante los tiempos muertos de las grabaciones de “La Voz” escuchábamos mucha música y nos dimos cuenta que con Lali nos gustaban las mismas canciones. Naturalmente surgió la idea de juntarnos en el estudio cuando tuviéramos algo de tiempo, para probar algo diferente. Ya habíamos colaborado previamente en canciones para los discos de los dos. Pero ahora la idea era hacer un EP de, al menos, 5 canciones. Seguimos juntándonos y lo que iba a ser un EP se transformó en un disco y un concepto donde el baile es la única opción”. BAILAR O MORIR es una declaración de principios, un manifiesto y una manera de ser en el mundo. Bailar no es un complemento ni un adorno: es el acto emocional central, una forma de libertad, de resistencia y de celebración de la propia identidad. BOM recupera un espacio esencial de la cultura pop: la pista de baile. En un presente dominado por las pantallas, el streaming y el individualismo, la pista vuelve a ser ese lugar físico y simbólico donde los cuerpos se encuentran, las diferencias se disuelven y la música nos conecta con algo más grande que nosotros mismos. &nbsp;

Después de una revelación progresiva a través de sus redes oficiales, BOM presenta su álbum debut con Lali y Miranda! &nbsp;

Después de una revelación progresiva a través de sus redes oficiales, BOM presenta su álbum debut con Lali y Miranda!&nbsp;

BOM: Bailar o Morir presenta su álbum debut 

A muy pocos días de su esperado regreso al país, Ed Sheeran entra en la recta final para su show en Buenos Aires y anuncia a los artistas que se sumarán a &nbsp;su noche en el Estadio Huracán el próximo 29 de noviembre, en el marco del LOOP Tour.El cantante británico estará acompañado por dos invitados especiales que serán los encargados de abrir la noche: Ambik como telonera nacional e Isaac Slade como invitado internacional.Sobre los teloneros que se suman al tour que da vuelta el mundoAMBIK es cantante, compositora argentina y hermana de Tiago PZK. Es una de las voces emergentes del nuevo pop local, con un estilo que cruza el indie, el pop y el folk. Con una identidad fresca y personal, es una de las grandes apuestas de la escena nacional.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/11/03/Ambik-m1252_.jpeg"></figure>Actualmente se encuentra presentando su nuevo álbum "Nadie dice te amo", una obra de diez canciones que transforma el deseo, el enamoramiento y la intensidad emocional en un universo musical y visual propio.Telonero internacionalPor su lado Isaac Slade es un cantante, compositor y pianista estadounidense, mejor conocido como cofundador y vocalista principal de The Fray. En 2022, Isaac dejó la banda y ahora regresa a los escenarios después de cuatro años con su primera gira solista en 2026.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/11/03/9ef6ff46-fe13-4b43-a943-49bfffeb47e8-a1isaacslade147239_.jpg"></figure>El álbum debut de The Fray, "How to Save a Life" (2005), fue cuádruple platino en EE. UU. y platino en Australia, Canadá, Nueva Zelanda y Reino Unido.&nbsp;Después de dos décadas al frente de la banda, Slade anunció &nbsp;que se retiraba. Explicó que ya cinco o seis años antes les había anticipado a sus compañeros que estaba comenzando una salida progresiva. Luego se mudó a la isla de Vashon, en Washington, para llevar una vida más simple como papá. Actualmente copreside una iniciativa de educación musical, Take Note Colorado, que busca que todos los estudiantes de K-12 de su estado natal, Colorado, tengan acceso a clases de música e instrumentos.En 2026 regresó a los escenarios con "Songs I Know", su primera gira en solitario. Sus shows combinan canciones de su catálogo, material nuevo y las canciones que lo inspiraron de joven.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/11/03/sheeran5708_.png"></figure>Después de 7 años, Ed Sheeran vuelve a reencontrarse con su público argentino con un show completamente nuevo, con el que ya agotó estadios en Europa y Oceanía.El “LOOP Tour” promete a los fans una experiencia en vivo renovada, con un diseño de escenario y repertorio completamente nuevos, que incluyen canciones de su álbum recién lanzado “Play” , junto a los temas favoritos de sus fans.“Play” (editado en 2025 por el sello Warner) explora territorios musicales inéditos mediante colaboraciones con productores y músicos de todo el mundo. Inspirándose en parte en tradiciones musicales de India y Persia — y sus sorprendentes conexiones con los sonidos folk irlandeses con los que creció — Sheeran combina escalas, ritmos y melodías compartidas en un lenguaje musical sin fronteras que le da al álbum un distintivo aire global.Al mismo tiempo, Sheeran se mantiene fiel a la balada atemporal que lo convirtió en uno de los cantautores más queridos del mundo. El resultado es una colección que equilibra lo familiar y lo nuevo, ofreciendo un sonido audaz, fresco y orientado al pop.

El artista se presentará el 29 de noviembre en el Estadio Huracán tras 7 años de su última visita.&nbsp;

El artista se presentará el 29 de noviembre en el Estadio Huracán tras 7 años de su última visita.&nbsp;

Ed Sheeran confirmó a los artistas que abrirán su show en Argentina: quiénes son los invitados del LOOP Tour

La Academia Latina de la Grabación eligió por primera vez a una brasileña entre sus Leading Ladies of Entertainment. La ejecutiva cuenta cómo se enteró de la distinción, qué vio en artistas argentinos como CA7RIEL &amp; Paco Amoroso o Milo J, y por qué una charla con Juanes la ayudó a explicar para qué puede servir la IA en un estudio de grabación.

La Academia Latina de la Grabación eligió por primera vez a una brasileña entre sus Leading Ladies of Entertainment. La ejecutiva cuenta cómo se enteró de la distinción, qué vio en artistas argentinos como CA7RIEL &amp; Paco Amoroso o Milo J, y por qué una charla con Juanes la ayudó a explicar para qué puede servir la IA en un estudio de grabación.

Entrevistamos a Sandra Jiménez, la directora de YouTube Music que será homenajeada en la semana de los Latin GRAMMY

Sandra Jiménez, de YouTube Music, será homenajeada en la semana del Latin GRAMMY

Nacida en Córdoba y radicada en México, donde desarrolló buena parte de su carrera, Daniela Spalla atraviesa una nueva etapa artística. Con los lanzamientos de “La espina” y “Tu veneno”, la cantante comienza a delinear el universo sonoro y conceptual de su próximo trabajo discográfico, en el que busca recuperar distintos momentos de su historia personal y musical.En esta nueva etapa, Spalla se acerca a un pop de sonoridad más amplia y contemporánea, sin perder la sensibilidad que caracteriza sus canciones. Se trata, también, de una oportunidad para mirar hacia atrás y reconstruir el camino que la llevó de Córdoba a Buenos Aires y, finalmente, a México.Uno de los grandes hitos de su carrera llegó con “Lejos de la Ciudad”, canción que alcanzó el Top Viral de Spotify en más de 18 países y se ubicó entre las más escuchadas de México y Latinoamérica. Su repercusión fue tal que Camilo se sumó posteriormente a una nueva versión del tema.Con el paso de los años, la artista también logró consolidarse en escenarios de gran convocatoria en México, donde agotó entradas en espacios como el Teatro Metropólitan, el Auditorio Nacional y el Palacio de los Deportes.En diálogo con Filo.News, Daniela Spalla habló sobre el proceso personal detrás de sus nuevas canciones, los cambios que atravesó a lo largo de su carrera y las particularidades de los públicos argentino y mexicano.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/11/03/Captura_de_pantalla_2026-11-03_a_la(s)_3.02.23â¯p.Â&nbsp;m.9637_.png"></figure> - ¿Cómo surgió la canción “La espina”?D.S: Estaba en un momento en el que mi carrera empezaba a florecer, a tomar mucha velocidad y a crecer, pero yo todavía no estaba adaptada al ritmo que pedía esa nueva realidad. Entonces, me angustiaba mucho sentir que no podía cumplir y me daba mucha culpa no estar disfrutando de las cosas lindas que me estaban pasando. Había algo en mí que tenía que transformarse y todavía no lo había hecho. Después, con el tiempo, entendí que era solamente un proceso de transición y, con los meses, me fui acomodando.- En ese sentido, ¿escribir la canción te ayudó a entender lo que te estaba pasando en ese momento?D.S: No, no lo entendí a través de la canción. Lo que sí logré fue descargarme. La escribí con dos amigos, una de ellas es Sofía Thompson, que también es cantante y estaba viviendo algo parecido. Poder compartirlo con alguien me hizo muy bien. Como te decía, en ese momento tenía miedo de que quizás no estuviera hecha para esto. El tiempo me demostró que no era así, que solamente era cuestión de que pasaran unos meses y llegara esta nueva versión mía. Yo también me transformé.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/11/03/Captura_de_pantalla_2026-11-03_a_la(s)_3.02.09â¯p.Â&nbsp;m.4843_.png"></figure>- Tanto con “La espina” como con “Tu veneno” se abre una nueva era, ¿qué nos podés adelantar?D.S: Se abre una era en la que hay una intención muy clara de contar de dónde vengo. Como artista cordobesa que después se radicó en México, hay todo un camino marcado por la búsqueda de cumplir este sueño de poder cantar y compartir mi música con la gente. Eso me llevó a mudarme de Córdoba a Buenos Aires y, después, de Buenos Aires a México. También implicó dejar mi tierra y a mi familia, aprender a vivir con la distancia y el desarraigo, y atravesar un montón de historias, como la de “Tu veneno” que te contaba o la de “La espina”, pero ya de más grande, con una carrera mucho más sólida y sintiendo otra vez que quizás no iba a poder. Es un disco que cuenta mucho ese camino.- ¿Cómo podrías describir los públicos mexicano y argentino?D.S: Son dos públicos muy especiales, muy musicales, muy consumidores de música, muy efusivos y entregados. El público mexicano tiene algo muy sentimental. Por eso creo que ahí también empecé a sentirme cómoda mostrando mis sentimientos en las canciones y a ponerme más sentimental. Si hablaba de una ruptura amorosa, podía hacerlo con el corazón abierto y sin filtros. El público argentino es muy ocurrente, creativo y divertido. Es muy musical. En Argentina quieren estar ahí, cantando los riffs de guitarra. Eso no es común en el resto del mundo, es algo que pasa acá. Por eso es un público muy especial y también por eso a los artistas les encanta venir a tocar acá. &nbsp;&nbsp;&nbsp;

En diálogo con Filo.News, la artista habló sobre el proceso personal detrás de sus nuevas canciones, los cambios que atravesó a lo largo de su carrera y las particularidades de los públicos argentino y mexicano.

En diálogo con Filo.News, la artista habló sobre el proceso personal detrás de sus nuevas canciones, los cambios que atravesó a lo largo de su carrera y las particularidades de los públicos argentino y mexicano.

Daniela Spalla sobre su nueva música: “Hay una intención muy clara de contar de dónde vengo”

El festival de rock más grande y querido del país volverá a encontrarse con su público en tres jornadas los días 16, 17 y 18 de abril de 2027. &nbsp;Luego de su histórica edición en 2025, Quilmes Rock 2027 volverá a reunir a grandes exponentes del rock argentino, incluyendo sorpresas, regresos, homenajes y cruces generacionales.En esta edición la excelencia del rock nacional vuelve a hacer cumbre con nombres que traen clásicos indiscutidos y la fusión con las bandas emergentes de los últimos años que vienen a refrescar a las nuevas generaciones.&nbsp;Entre los headliners más destacados encontramos la presencia de: Divididos, Fito Paez, Babasonicos, Los Fabulosos Cadillacs, JET, Ratones Paranoicos, Los Autenticas Caligaris, Jorge Drexler, Las Pelotas, y Henry &amp; y la Palangana encabezan el anuncio.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DfQYwZTMFUW/?hl=es-la"></oembed></figure>También están confirmados Dante Spinetta, Angela Torres, Cruzando el Charco, la vuelta de Fricción, homenaje a Spinetta por Javier Malosetti, Kevin Johansen, Kapanga, Alejandro Lerner, Marilina Bertoldi, Turf, 2 Minutos, El Mató A Un Policía Motorizado, Massacre, Camionero, Celeste Carballo, Virus, entre otros.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DdEi_H2lutW/?hl=es-la&amp;img_index=1"></oembed></figure> Este line-up refuerza el compromiso del Quilmes Rock de ser punto de encuentro entre generaciones, estilos y géneros. Desde los íconos del rock nacional hasta las nuevas voces que están marcando tendencia, el festival promete momentos únicos.Con una trayectoria histórica, Quilmes Rock comienza a palpitar su próxima edición que dejará nuevos hitos y recuerdos imborrables para la música nacional.Podes adquirir tus pases <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.enigmatickets.com/">haciendo clic acá.&nbsp;</a> &nbsp;

El evento presentó oficialmente los artistas que serán parte de su nueva edición y puso en marcha la cuenta regresiva para una nueva celebración multitudinaria del rock y de la música argentina. &nbsp;

El evento presentó oficialmente los artistas que serán parte de su nueva edición y puso en marcha la cuenta regresiva para una nueva celebración multitudinaria del rock y de la música argentina.&nbsp;

Quilmes Rock 2027: estos son los artistas que encabezan el festival

Jota y Pepe, baterista y bajista de la banda de Cartagena, hablaron con Filo.News sobre "Manufacturas del Club de la Gente Sola". Cómo fue grabar los cuatro en vivo con Joe Chiccarelli, qué recuerdan de su visita a Argentina y cuándo podrían volver.

Jota y Pepe, baterista y bajista de la banda de Cartagena, hablaron con Filo.News sobre "Manufacturas del Club de la Gente Sola". Cómo fue grabar los cuatro en vivo con Joe Chiccarelli, qué recuerdan de su visita a Argentina y cuándo podrían volver.

Arde Bogotá grabó un disco sobre la soledad digital sin dejar de tocar codo a codo

Arde Bogotá grabó un disco sobre la soledad sin dejar de tocar codo a codo

“The Last Concert” llevará la música del anime a Mar del Plata, Rosario, Córdoba y Buenos Aires, con orquesta, banda en vivo y proyecciones en pantalla gigante.

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"Attack on Titan" tendrá una gira sinfónica en Argentina: fechas, ciudades y entradas

Attack on Titan tendrá una gira sinfónica en Argentina: fechas, ciudades y entradas

"Cada canción para mí es como una escena de una película", aseguró Pauline Ró al explicar el proceso creativo detrás de "La Chispa", su primer disco como compositora además de percusionista. Después de años de formación y exploración en el mundo de la percusión, la artista decidió ponerse al frente de sus propias composiciones y sumar una faceta más ligada a la canción y a la interpretación vocal.&nbsp;El resultado es un álbum en el que conviven distintos instrumentos, historias familiares y sonidos que remiten a la identidad rioplatense, pese a que la artista vive en Nueva York. Allí pasó el Mundial de Qatar 2022, donde la Selección argentina ganó su tercer Copa del Mundo y aquella fecha coincidió también con su cumpleaños. De allí, nació la canción que lleva esa fecha inolvidable como título: "18 de diciembre", incluida en su último álbum de percusión.Pauline Ró se presenta el próximo 7 de noviembre en el prestigioso Nublu de Nueva York para presentar La Chispa, su primer álbum como compositora.<h4>La Chispa, el paso de la percusión a la canción</h4>Periodista: Quiero que arranques contándonos sobre tu nuevo disco, La Chispa, y también sobre ese cambio que hacés como música. Pasás de la percusión a convertirte en cantautora.Pauline Ró: La Chispa es la primera vez en la que me posiciono al frente de un proyecto musical y es la primera vez que son todas mis canciones. En la grabación hay otra gente, claro, pero la idea es que soy percusionista y cantante. Estoy tocando la batería, el vibráfono y son todas mis voces las que se escuchan en el disco.P: ¿Cómo componés? Porque es diferente pasar de la percusión a componerP.R.: Cada canción para mí es como una escena de una película. Entonces cada canción tiene su mundo. Hay una que es un hilo conductor del disco, que es la historia de mi bisabuela Raquel. Ella tiene dos canciones. Lo que hice fue trabajar la letra, querer condensar toda su historia en dos canciones y después le encontré la música. Pero para otras capaz es una melodía o algo que encontré tocando la batería o el tambor y después encontrarle y construirle todo lo demás.<figure class="media"><oembed url="https://open.spotify.com/track/2iDm2a8gVDG8e9G0XxM8vF?si=a3d6eb4dca4d48be"></oembed></figure>P: ¿Componés con el vibráfono porque no es muy común?P.R.: Sí, se puede. Es verdad que después hay que sumarle otras cosas, pero la semilla sí. ¿Sabés que en este disco hubo dos o tres canciones que la semilla empezó en el vibráfono?P: ¿Y toda la parte de batería y percusión la hacés vos?P.R.: Sí. Todo lo que es batería, tambores, percusión clásica. Hay timbal sinfónico, marimba, cachos de metal, botellas de vidrio. Agarré todo el mundo percusión y todo eso lo toco yo en el disco.<h4>El Mundial de Qatar, Nueva York y la argentinidad fuera de casa</h4>P: En el disco anterior hay una canción que se llama "18 de diciembre". Es una fecha muy particular, sobre todo después de lo que vivimos con el Mundial de 2022. ¿Qué significaba para vos ese día?P.R.: Es enorme. Mirá, el Mundial de 2022 que ganamos no solo fue el primer Mundial que yo viví fuera de Argentina, sino que también fue el día de mi cumpleaños. Esos dos eventos juntos. Era irrepetible en la vida. ¿Cuándo Argentina va a volver a ganar un Mundial en el día de mi cumpleaños? Entonces eso también me remitió muchísimo a lo que era la argentinidad fuera de casa.P: Vos estabas viviendo en Nueva York en ese momento. ¿Cómo fue compartirlo allá?P.R.: Sí, era mi primer año en Nueva York cuando sucedió eso y fue como, wow. Fue la primera vez que viví un Mundial no solo con otros argentinos, sino con gente de todo el mundo, porque Nueva York es súper internacional y por suerte me hice amigos de todos lados. Fue un momento muy conmovedor, de esos que no te vas a olvidar nunca. Esa canción surgió a partir de ese recuerdo y de lo que significaba la argentinidad para mí.P: Más allá de haber ganado el Mundial, aparece esa pregunta por la identidad argentina cuando estás afuera. ¿Cómo se vive ese desarraigo?P.R.: El desarraigo es también elegir con qué partes de la argentinidad te quedás. Uno idealiza. Yo siento que en La Chispa también hay eso. Hay muchos elementos que son muy argentinos, hay dejos de folklore, de murga, esa sensación de percusión colectiva, rioplatense. También mucho de la energía de cantautores, de esa cosa más poética que antes no había explorado.<figure class="media"><oembed url="https://open.spotify.com/track/2Q2gI2FBCL8zXPyWHXN4LW?si=533aad3400034126"></oembed></figure>P: Estuviste viviendo mucho tiempo afuera y también fuiste a estudiar. ¿Cómo fue ese proceso?P.R.: Fue tremendo. El primer puntapié fue hacer una maestría porque yo me recibí de la UNA acá, tengo la licenciatura en Percusión y fui a hacer un máster en improvisación, principalmente improvisación, como para abrirme un poco de los géneros.Después de recibirme me empezaron a llamar de proyectos diferentes. Desde salsa, la música de Frank Zappa, que sigue siendo preponderante en mi carrera, hasta tocar la batería para cantautores que necesitaban una baterista. Fui explorando muchos géneros y para mí el proceso de irme fue el desarraigo y, de nuevo, esa cosa de volver a llevar afuera las cosas que vos elegís llevarte. Es un proceso muy fuerte.Por supuesto que extraño un montón, pero también tuve la suerte de encontrar una comunidad de argentinos y muchos latinoamericanos allá, incluido Augusto Pagés, quien me ayudó a producir y grabar todo este disco. Él es de Perú y esa latinidad se resiente y también resignifica.<h4>Frank Zappa, La Bomba de Tiempo y la presentación del disco</h4>P: Hablabas de Frank Zappa y de cómo su música sigue siendo importante en tu carrera. ¿Cómo fue retomar toda esa obra?P.R.: Cuando me fui de Argentina siempre tenía en mente hacer un cover de "The Black Page", que es una obra súper difícil e icónica para los percusionistas y bateristas. Me armé un video en YouTube que tenía la pantalla dividida entre "The Black Page" tocada en batería y en marimba.Parece que circuló en los Reddit de los fans de Frank Zappa. Yo no sabía que existía todo un submundo de fanáticos de Frank Zappa. Ahí me encontró una banda con la que actualmente toco, que hace covers de Frank Zappa y se llama The Furious Bongos. Con ellos me voy de gira y ahí se expandió lo que es el repertorio de la percusión de Frank Zappa para mí.P: También tocaste con La Bomba de Tiempo, que es una referencia de la percusión en Argentina. ¿Qué significó esa invitación? ¿Y como llegó la propuesta?P.R.: Para mí también, desde que tengo uso de razón que existe La Bomba de Tiempo. Esa invitación fue muy significativa. Llegó a través de una compañera del conservatorio que ya los conocía. Ella me presentó a ellos y después se ve que les gustó lo que estaba haciendo, quedamos en contacto y acá estamos. Estoy súper honrada de esa invitación, me encanta.&nbsp;

La percusionista y compositora presenta su primer álbum al frente de un proyecto propio, en el que combina batería, vibráfono y canciones de su autoría. En diálogo con Filo.news, habló sobre el proceso creativo, la experiencia de vivir en Nueva York, el Mundial de Qatar como punto de encuentro con sus raíces y su vínculo con la música de Frank Zappa.

La percusionista y compositora presenta su primer álbum al frente de un proyecto propio, en el que combina batería, vibráfono y canciones de su autoría. En diálogo con Filo.news, habló sobre el proceso creativo, la experiencia de vivir en Nueva York, el Mundial de Qatar como punto de encuentro con sus raíces y su vínculo con la música de Frank Zappa.

Pauline Ró, de la percusión a la canción: la argentinidad, el desarraigo y las historias detrás de su disco La Chispa

El mítico vocalista británico Ian Gillan fue hospitalizado de urgencia tras padecer una repentina descompensación física. El músico de ochenta y un años debió recibir asistencia inmediata mientras desarrollaba compromisos en suelo alemán. A raíz del imprevisto cuadro de salud, la emblemática agrupación resolvió postergar sus dos recitales más próximos. Los recitales debían realizarse durante el fin de semana en las ciudades de Leipzig y Hamburgo.La noticia trascendió a través de un comunicado difundido por la propia banda en sus canales institucionales. Los integrantes del grupo manifestaron su pesar por la cancelación repentina de los compromisos ya coordinados. La formación explicó que el vocalista permanece bajo observación en una clínica sin brindar detalles del diagnóstico. Asimismo, aclararon a los simpatizantes que los boletos adquiridos mantendrán plena validez para futuras reprogramaciones.El percance médico tuvo lugar en medio de la gira internacional de presentación del disco Splat!. El periplo comenzó en agosto por diversas plazas europeas y contemplaba un desembarco en territorio latinoamericano. La agenda contemplaba actuaciones en la República Argentina durante el mes de diciembre que ahora quedan supeditadas. Allegados al artista recordaron que a finales del año pasado se le detectó una pérdida severa visual.A pesar de las complicaciones en su salud, Gillan había desestimado meses atrás los rumores sobre un retiro. El líder vocal ratificó entonces su deseo de continuar arriba de las tablas mientras su energía lo acompañe. La flamante producción discográfica del grupo recuperó las raíces del rock setentero bajo la supervisión de Bob Ezrin. El reconocido productor estadounidense colaboró históricamente con conjuntos legendarios como Pink Floyd, Alice Cooper y Kiss.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/11/01/image9510_.png"></figure>La figura de Gillan se consolidó como una de las voces determinantes en la extensa trayectoria del grupo. Su desembarco en 1969 para reemplazar a Rod Evans inauguró la etapa dorada del quinteto británico. En ese ciclo grabó álbumes fundamentales para el rock pesado como In Rock, Fireball y Machine Head. Tras un breve alejamiento que lo vinculó a Black Sabbath, el intérprete regresó en los años ochenta.El ambiente musical internacional aguarda con expectación la difusión de un nuevo parte facultativo sobre su evolución. Los médicos tratantes realizan evaluaciones exhaustivas para determinar si el músico puede continuar la exigente rutina de recitales. En tanto, miles de fanáticos en todo el mundo manifestaron su apoyo a través de mensajes digitales solidarios. La continuidad del tramo final de la gira dependerá de la recuperación que demuestre el veterano cantante

El cantante de Deep Purple sufrió una descompensación médica en Alemania durante su gira internacional.

El cantante de Deep Purple sufrió una descompensación médica en Alemania durante su gira internacional.

Internaron de urgencia a Ian Gillan de Deep Purple y suspenden shows

Maia Reficco presentó el videoclip oficial de “videostar”, una de las canciones que forman parte de de visita, su primer EP. El lanzamiento llega con una propuesta audiovisual intensa, que combina sensualidad, introspección y una estética cinematográfica para acompañar el universo que la artista construyó alrededor de este trabajo.La pieza tuvo un recorrido particular antes de llegar al público: según contó la propia Maia, estuvo cerca de no ver la luz. Finalmente, se convirtió en uno de los lanzamientos más reveladores del EP y en una nueva oportunidad para explorar, desde lo visual, algunos de los temas que atraviesan su música.El videoclip estuvo dirigido por Gordy De St Jeor, quien también trabajó en los videos de “sur” y “amapola”. Con esta nueva colaboración, Reficco continúa desarrollando una identidad estética propia, en la que las imágenes funcionan como una extensión de sus canciones.<h4>Maia Reficco y el significado detrás de “videostar”</h4>A lo largo del video, la artista atraviesa distintos escenarios que construyen una narrativa cargada de simbolismos. Una de las escenas centrales transcurre en una habitación con muebles cubiertos de plástico: frente al espejo, Maia rompe el envoltorio y luego se envuelve con ese mismo material, en una secuencia que representa el encierro y la posibilidad de liberarse emocionalmente.La propuesta también incorpora imágenes gráficas y métricas sobre su rostro, además de una representación de la cantante en 3D, un recurso que pone en escena la mirada externa y la objetivación. Más adelante, una inmersión bajo el agua da paso a una última secuencia: Maia camina empapada por las calles de Los Ángeles durante la noche, en una imagen que sugiere un nuevo despertar.La propia Reficco explicó el lugar que ocupa la canción dentro del proyecto y su vínculo con otro de los temas del EP: “Videostar es una pieza clave del universo de ‘de visita’. De alguna manera, es la hermana mayor de ‘amapola’; tanto musicalmente —especialmente con el breakdown del final, que es de mis momentos favoritos de todo el EP— como líricamente”.Además, señaló que la canción aborda la distancia desde una perspectiva diferente a la que aparece en el resto del material y destacó su importancia en la construcción sonora del lanzamiento: “Continúa hablando de la distancia desde otro encare que no habíamos escuchado hasta el momento en el EP y musicalmente es un jugador clave dando lugar a otro universo sonoro”.Con el estreno de “videostar”, Maia Reficco suma una nueva pieza al universo de de visita y profundiza una búsqueda artística en la que conviven la vulnerabilidad, la experimentación visual y la interpretación.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DfH3ZR9lUUk/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DfH3ZR9lUUk/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; 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margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DfH3ZR9lUUk/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de Filo.news (@filonewsok)</a></div></blockquote>
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La artista presentó el video oficial de uno de los temas más personales de su EP debut, publicado por Interscope Records. Dirigido por Gordy De St Jeor, el lanzamiento profundiza el universo visual y conceptual del proyecto.

La artista presentó el video oficial de uno de los temas más personales de su EP debut, publicado por Interscope Records. Dirigido por Gordy De St Jeor, el lanzamiento profundiza el universo visual y conceptual del proyecto.

Maia Reficco estrenó el videoclip de “videostar”: la historia detrás de una de las canciones de “de visita”

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