A 50 años del último golpe cívico-militar en la Argentina, la restitución de identidades de los niños apropiados entre 1976 y 1983 es un proceso que continúa abierto. Los familiares de las víctimas del terrorismo de Estado encabezados por las Abuelas de Plaza de Mayo continúan buscando más de 300 nietos.La historia de Pedro Luis Nadal García, nieto número 80 recuperado por las Abuelas de Plaza de Mayo y su incansable búsqueda, como la de tantos otros condensa un entramado que aún años después de finalizada la dictadura continuaba funcionando.&nbsp;Pedro recuperó su identidad recién en 2004, cuando tenía 29 años, luego de una búsqueda atravesada no solo por el silencio de la dictadura, sino también por obstáculos que persistieron durante décadas. “Hubo gobiernos que encubrieron y eso fue lo que posibilitó que pasaran 29 años hasta que recupere la identidad”, señaló en diálogo con Filo.news.En su caso, las citaciones judiciales no llegaban o eran directamente interceptadas. La estructura que debía garantizar el acceso a la verdad se volvía, en algunos momentos, un filtro. “Había un sistema policial que no dejaba que pasen esas cosas”, describe sobre los intentos fallidos de notificación.&nbsp;"Desde el '83 me están citando", cuenta Pedro. Al mismo tiempo que reconstruye su historia: "En esos años, mi apropiador llevó a hacerse los estudios a su hijo biológico y le hicieron los exámenes de compatibilidad y dio que era hijo suyo".&nbsp;Si bien esa causa se discontinuó, Pedro destacó que Abuelas de Plaza de Mayo insistió en su caso y pudo generar otras causas para buscarlo debido a que había indicios. En ese sentido, jugaron un rol central los vecinos de la zona, conocidos y hasta personas del entorno de quienes lo habían apropiado, que realizaron denuncias durante años.“La sociedad misma denuncia y genera las condiciones para que las Abuelas puedan investigar”, explica Pedro, a quien ese entramado de testimonios cercanos le sirvió para que la causa no se cerrara definitivamente, incluso cuando una primera investigación había quedado inconclusa. La persistencia —judicial, pero también social— fue lo que terminó abriendo el camino.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DWRewrLganV/?hl=es-la&amp;img_index=1"></oembed></figure>La restitución no implicó empezar de cero, sino reconfigurar una vida construida sobre otra base. “No cambió la persona, lo que sumó fue verdad”, dice Pedro. Hasta el momento, sus apropiadores le habían dicho que él fue abandonado de niño y ellos lo adoptaron: "Yo estaba agradecido", recuerda en base a su historia. Sin embargo, todo cambió el día que se enteró que no había sido "abandonado" sino "apropiado". "Esas verdades generan un camino que deja de estar basado en la mentira y comienza a transitar en verdades. Después, queda reconstruir la identidad que es algo obligatorio", apuntó.Sobre la identidad, añadió: "Sumó entre tantas cosas saber que mi madre no me abandonó, que mi madre luchaba por algo que ella creía y por un mejor lugar para todos nosotros, al igual que mi padre. La diferencia está ahí: no fui abandonado, fui apropiado".<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DWRewrLganV/?hl=es-la&amp;img_index=5"></oembed></figure><h4>La educación como punto de quiebre</h4>Si hay un cambio que, para Pedro, marca una diferencia entre generaciones, es el lugar de la educación en la construcción de memoria. “Nosotros no teníamos estas charlas en las escuelas. Hoy los chicos sí las tienen y preguntan de todo”, plantea.Ese dato genera un cambio, ya que la memoria circula en espacios institucionales donde se habilitan las preguntas. La escuela, en ese sentido, funciona como un punto de acceso temprano a la historia reciente. Mantener viva la memoria ayuda a que no solo no se repita la historia, sino también para que se construyan condiciones para que quienes tienen dudas puedan reconocerlas.<blockquote>"Todavía se buscan más de 500 niños apropiados, yo soy el número 80. Falta todavía", asegura Pedro.&nbsp;</blockquote>La restitución de identidades no es solo una reparación individual, sino también una tarea colectiva que involucra al Estado, a la sociedad y, cada vez más, a las nuevas generaciones.&nbsp;

La historia de Pedro Luis Nadal García, nieto número 80 recuperado por las Abuelas de Plaza de Mayo y su incansable búsqueda, como la de tantos otros condensa un entramado que aún años después de finalizada la dictadura continuaba funcionando.&nbsp;

La historia de Pedro Luis Nadal García, nieto número 80 recuperado por las Abuelas de Plaza de Mayo y su incansable búsqueda, como la de tantos otros condensa un entramado que aún años después de finalizada la dictadura continuaba funcionando.&nbsp;

A 50 años del golpe: cómo el encubrimiento estatal demoró décadas la recuperación de identidades

AC/DC hizo vibrar a la Argentina en la noche del lunes 23 de marzo en la primera de sus tres presentaciones en el estadio Monumental. Con la potencia intacta de un rock que desafía el paso del tiempo, los músicos de entre 70 y 78 años ofrecieron un show de más de dos horas y media, atravesado por extensos solos de guitarra y una lista de 21 canciones en las que recorrieron todo su repertorio desde High Voltage (1975) a Power Up (2020).&nbsp;A 30 años de su primera presentación en la Argentina, Angus Young salió vestido con los colores de la bandera, con su distintivo uniforme de adolescente de escuela secundaria. Y si bien el paso nos muestra a todos limitaciones, él parece haber hecho un pacto con el diablo porque a pocos días de cumplir 71 años (31 de marzo, fecha en la que realizará su último show en Buenos Aires) recorrió todo el escenario de punta a punta, pasando por la pasarela del medio e incluso tirándose al piso en un solo de guitarra que duró cerca de 20 minutos y pidiendo la ovación del público en cada acorde.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/03/24/79324_.png"><figcaption>Angus Young y Brian Johnson volvieron a la Argentina e hicieron vibrar River | Foto: @lautse</figcaption></figure>Apenas pasadas las 21 horas, se apagaron las luces y en las pantallas se observó una ruta y un auto a toda velocidad cruzando por allí, con el rugido del motor yendo a 150 kilómetros por hora. Cuando terminó la pequeña proyección, AC/DC salió después de 16 años y tres meses al escenario del estadio de River Plate, donde hicieron historia en diciembre de 2009 y grabaron su DVD más icónico.&nbsp;Arrancaron al calor de If you want blood (you got it), Back in black y Demon fire. Arriba del escenario se sentía la emoción de volver a la Argentina, Brian Johnson saludó en castellano: "Buenas noches, Argentina. ¿Cómo va?", y añadió: "It's good to see you all again. Tonight we're gonna make some rock and roll singing".&nbsp;Personas de diferentes partes del país se congregaron desde temprano al estadio Monumental con la intención de reeditar aquella misa de 2009. Los que no llegaron a vivirla por edad o por algún otro motivo este 2026 tienen la posibilidad de ver a sus ídolos en vivo y en directo. Tal vez con los pelos un poco más blancos y las canciones un tempo más abajo, pero emocionando como en 1996 y 2009.&nbsp;Pero no eramos solo argentinos, desde diferentes puntos del mundo vinieron a ver como nuestro público -único en el mundo- volvía a recibir a AC/DC.&nbsp;La sensación que genera ver a la banda con la que creciste muchas veces se explica más desde la emoción que desde la razón. Objetivamente, siguen teniendo una potencia increíble, canciones para saltar, agitar las cabezas y levantar los puños como todos los que vieron aquel DVD de River querían hacer. Más de una lágrima recorría las caras de los asistentes y otras tantas sonrisas estaban casi tatuadas.&nbsp;Si bien la gira está centrada en la presentación de Power UP, que no se pudo hacer antes por la pandemia de covid-19 y también por la exigencia que representa una gira internacional de esta envergadura para hombres, los grandes éxitos como Thunderstruck, Hells bells -con la campana bajando desde el techo del escenario-, Highway to hell o Shoot to thrill no podían faltar.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/03/24/@Pabloalonsoph_AC-DC_23.3.26-81210_.jpeg"><figcaption>Angus Young haciendo un solo de guitarra de 20 minutos, tirado en el suelo | Foto: @pabloalonsoph</figcaption></figure>A diferencia de 2009, canciones como Riff Raff, Sin City, Have a drink on me y Jailbreak, volvieron a tener lugar en un setlist y generaron sorpresa en aquellos que aún no habían buscado la lista de canciones que la banda realizó alrededor del mundo, ya que fue la misma para toda la gira.Hacia el final del show repasaron también High Voltage, You shook me all night long, ⁠Whole lotta rosie y ⁠Let there be rock, esta última, como acostumbra Angus, tuvo un intenso solo de guitarra, donde llegó a ascender desde el medio de la pasarela y terminó revolcado en el piso, demostrando una vez más que la edad no pasa para él.T.N.T fue el inicio del fin, pero en el medio del campo se vivió como un nuevo arranque. Todos expectantes y cansados, pero sin ganas de que Angus Young, Brian Johnson, Stevie Young, Matt Laug y Chris Chaney se despidan. El cierre, como todos ya esperaban al calor de los cañonazos, fue con ⁠For those about to rock. &nbsp;

AC/DC hizo temblar River y confirmó que la autopista al infierno sigue abierta, a más de 16 años de hacer historia | Foto: @pabloalonsoph

Con la potencia intacta de un rock que desafía el paso del tiempo, los músicos de entre 70 y 78 años ofrecieron un show de más de dos horas y media. A 30 años de su primera presentación en la Argentina, continúan despetando sensaciones.

Con la potencia intacta de un rock que desafía el paso del tiempo, los músicos de entre 70 y 78 años ofrecieron un show de más de dos horas y media. A 30 años de su primera presentación en la Argentina, continúan despetando sensaciones.

AC/DC hizo temblar River y confirmó que la autopista al infierno sigue abierta, a más de 16 años de hacer historia

Soda Stereo debutó con el primero de sus diez Arena de Villa Crespo en el marco de la gira "Ecos", un show atravesado por la tecnología y la nostalgia. Pasadas las 21 salieron Charly Alberti y Zeta Bosio al escenario, después de una larga espera y con un setlist emocionante, a la altura de la discografía de una de las bandas más grandes de latinoamérica. Este domingo repiten.Gracias a la tecnología, Gustavo Cerati -fallecido el 4 de septiembre de 2014- fue retomado con voz y guitarra, y se posó -digitalmente- a la izquierda de Charly y Zeta. Sin embargo, la tecnología también muestra sus limitaciones.&nbsp;Si hay algo que distingue a los shows en vivo de otros formatos, eso es la conexión de los artistas con su público. Algo que escaseó porque Gustavo -en un formato digital- como vocalista de la banda no tenía la posibilidad de crear ese lazo y ni Charly ni Zeta tuvieron a la mano un micrófono.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://twitter.com/filonewsOK/status/2035715295889776709"></oembed></figure>La reconstrucción &nbsp;de la voz y la guitarra, retomada de los vivos y grabaciones de estudio, está lograda. La banda elige no hablar de un "holograma" que fue la primera idea del público cuando se lanzó allá por septiembre la gira, pero sí funciona como una presencia digital que encaja perfectamente en cada canción.&nbsp;El setlist estuvo a la altura de la historia de Soda Stereo, que cuenta con un repertorio increíble. Fue directo a la nostalgia de aquel padre que fue con sus hijos o del grupo de jóvenes amigos que recorrían el campo del Arena.&nbsp;Arrancaron con "Ecos", canción que le da nombre a la gira, siguieron con “Juegos de seducción” y “Nada personal”. Después llegó el turno de clásicos como “Hombre al agua”, "Ella usó mi cabeza como un revólver", “Cuando pase el temblor”, “En la ciudad de la furia”, “Persiana americana” "Un misil en mi placard" y “Prófugos”, que el público canta como si el tiempo no hubiera pasado.Las visuales fueron una parte importante del show, con un juego de pantallas gigantes arriba y hacia los costados del escenario. A veces retomando a los músicos y en canciones como Zoom -donde no estuvieron Zeta y Charly en vivo- captaron por completo la atención del público.El cierre con “De música ligera” remasterizado con imágenes de diferentes vivos de Soda —con Charly y Zeta en el medio del campo— funcionó como un golpe final a la nostalgia.&nbsp;Por delante quedan aún otros nueve shows agotados y, en medio de la euforia por Soda Stereo, ya anunciaron el lanzamiento de nuevas funciones que estarán a la venta a partir del 23 de marzo.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/03/22/undefined"><figcaption>"Ecos" el show de Soda Stereo llegó al Arena de Villa Crespo | Foto: Ignacio Arnedo (@arnedonacho).</figcaption></figure>“Ecos” no busca ser un homenaje ni un tributo o una película: es un experimento de vanguardia, como bien dijeron Charly y Zeta. Un show que abre la posibilidad de que los artistas nunca se vayan del todo. La pregunta es a qué costo.Porque si bien la tecnología permite "revivir" a Cerati con una fidelidad asombrosa, también confirma algo que quizá ya sabíamos: hay algo en la música en vivo que no se puede programar.

Con una puesta en escena volcada a la innovación para traer de vuelta a Gustavo Cerati, Soda Stereo inauguró “Ecos” | Foto: Ignacio Arnedo (@arnedonacho).

Con una puesta en escena volcada a la innovación para traer de vuelta a Gustavo Cerati, Soda Stereo inauguró “Ecos” entre la emoción del setlist y una distancia que la tecnología, por momentos, no logró acortar.

Con una puesta en escena volcada a la innovación para traer de vuelta a Gustavo Cerati, Soda Stereo inauguró “Ecos” entre la emoción del setlist y una distancia que la tecnología, por momentos, no logró acortar.

Soda Stereo dio su primer de los 10 shows de la gira "Ecos", marcado por la tecnología y la nostalgia

Después de más de cinco décadas de música, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/03/25/joaquin-sabina-emociono-a-la-argentina-en-su-despedida-y-declaro-su-amor-por-buenos-aires">Joaquín Sabina se despidió a fines de noviembre de los escenarios</a>, dejándo una extensa discografía con 18 álbumes y más de 200 canciones, que mezclan poesía urbana, noches largas y una sensibilidad que muchas veces dialoga con el tango. El legado del cantautor español ahora está sostenido por La Banda Sabinera, que está integrada por los músicos que lo acompañaron arriba del escenario y llega a Buenos Aires por primera vez sin "El Jefe", a casi un año de que comience el tour "Hola y Adiós" en la Argentina.&nbsp;Mara Barros, Jaime Asúa, Paco Beneyto, Laura Gómez Palma y Antonio García de Diego —músicos históricos del cantautor— llegaron a la Argentina con La Banda Sabinera, un proyecto que nació casi de manera natural cuando el propio Sabina descansaba de las giras. Con el tiempo, ese espacio paralelo se transformó en un espectáculo propio donde las canciones del repertorio sabinero se reinterpretan y, sobre todo, se celebran con el público.En diálogo con Filo.news, Mara, Laura y Antonio repasaron cómo vivieron el cierre de la gira Hola y adiós, el retiro de Sabina de los escenarios, repasaron parte de su historia junto al cantautor y dieron algunas pistas de lo que será el show en el Teatro Coliseo.Periodista: ¿Cómo nace La Banda Sabinera y cómo llegaron a este proyecto?Mara Barros: Esto no empezó hace un par de décadas, yo llevaba ya 16 años trabajando con Joaquín y el proyecto ya existía, aunque antes se llamaba La Noche Sabinera. La idea siempre fue que cuando Joaquín descansaba, nosotros no. Seguíamos tocando sus canciones.Esta es la primera vez que venimos a Argentina con la banda completa y con este nombre. Antes veníamos en formato trío o dúo, pero ahora somos los cinco miembros de la banda.P: ¿Cómo los recibe Buenos Aires, una ciudad tan ligada a Sabina?Antonio García de Diego: Siempre nos ha tratado muy bien. Estamos tan dentro del mundo sabinero de Buenos Aires que nos sentimos muy cómplices y cercanos. Todo es más fácil acá por el vínculo que hay con las canciones.Yo siempre he dicho que Joaquín escribe muy tanguero. Parte de su obra tiene mucho que ver con el mundo del tango, con ese tono oscuro, melancólico. Y luego aquí está Laura, que es la representante porteña de la banda, así que somos cercanos.P: ¿Cómo vivieron el cierre de la gira Hola y adiós y la despedida de Joaquín Sabina?Mara Barros: Yo lo viví muy mal, muy triste. Me niego a asumirlo. Lo estoy asumiendo porque no me queda otra, pero es un duelo complicado. No solo como empleada suya, sino como admiradora. Me da muchísima pena que se retire de los escenarios.Intenté disfrutar mucho esta gira precisamente por eso. Era un poco agridulce, sabiendo que nunca más íbamos a estar en ciertos lugares con Joaquín.&nbsp;Laura Gómez Palma: Había momentos de nostalgia anticipada, pero también de mucho disfrute, de pensar “bueno, ya que es la última vez”. Hubo conciertos muy especiales: el último en Buenos Aires, el último en México… Y el cierre final en Madrid, donde se grabó un directo. Fue raro, porque era el último de todo pero teníamos cámaras delante, no era exactamente el final que nos imaginábamos. Pero lo emotivo fue toda la gira.Antonio García de Diego: Yo lo viví desde otra perspectiva, quizá por la edad. Tengo la misma edad que Joaquín y siempre me quise retirar con él. He tenido el privilegio de poder hacerlo. Habíamos ido masticando esto que iba a ocurrir durante un año. Marita en los primeros conciertos era La Magdalena, pobrecita la veíamos muy sentida. Yo quizá por la edad, pues sabía que esto iba a ocurrir, lo que pasa para mí todavía es más penoso porque sé que es la última vez. Esta gente son jóvenes.&nbsp;P: Pero estás acá.Antonio García de Diego: No, estoy aquí, pero entiéndeme con Joaquín, digo. ¿Qué hará Joaquín a futuro? ¿Qué sabe nadie? Pero sí tengo la posibilidad de no sentirme tan viejo y me quiero sentir más joven junto a ellos en La Banda Sabinera. Entonces, aprovecho esto para sentirme más vivo y para hacer las canciones de Joaquín que son las que nos mueven a todos.P: Estuvieron en muchas etapas de su carrera. ¿Cómo fueron aquellos años de composición y grabación?Antonio García de Diego: Yo he vivido varias etapas de Joaquín. He vivido una etapa muy eufórica, nos movíamos en mundos muy especiales y la pasión que había con la que se componía, la curiosidad.&nbsp;Luego tuvimos la mala suerte de vivir el desastre de cuando tuvo el ictus -ACV-, que a partir de ahí nos encontramos con un Joaquín encerrado en sí mismo, que no quería hacer nada, que realmente era un esfuerzo que intentase cantar, dar una nota de cualquier canción y esa época fue muy difícil.Hubo que reinventarse. No fue quizá el mejor Joaquín, ni nosotros los mejores compositores nosotros, pero lo sacamos adelante y poco a poco Joaquín fue tomando otro camino, con más ganas. Luego ya empezó a trabajar con Leiva, otro tipo de cosas.&nbsp;Ha sido una curva, un hoyo muy grande en la vida de Joaquín y obviamente en la nuestra. De hecho, estuvimos parados 3 años, donde parte de la banda estuvo tocando con otra gente, pues porque tenemos que trabajar. Pero afortunadamente luego tuvimos la suerte de poder encauzar y hacer que Joaquín tuviera una cierta ilusión. Después de esa época se grabaron canciones como Peces de Ciudad, ¿me entiendes?Joaquín huía, nos ha llegado a dejar en el estudio, se fue a Madrid y no volvió. Nos quedamos allí cinco días sin saber nada. Han pasado cosas de ese tipo, ¿entiendes? Ha sido muy difícil en una etapa, pero afortunadamente hemos recuperado al Joaquín ya maduro y con una sabiduría enorme y hemos disfrutado de él.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DVzOYUnEQQX/"></oembed></figure>P: Ahora que están girando con La Banda Sabinera, ¿qué se va a encontrar el público en el show?Mara Barros: La fiesta es alrededor de las canciones de Joaquín, pero más allá de que nosotros interpretamos las canciones de "El Jefe", el aliciente real es el público. En la segunda parte del espectáculo invitamos a gente a subir al escenario a cantar con nosotros. Es como un karaoke en vivo: pueden sentirse Sabina por unos minutos, cantando acompañados por su propia banda. Y eso lo vuelve muy divertido.P: ¿Cómo arman el repertorio? ¿Utilizan parte del setlist del cierre de la gira?&nbsp;Laura Gómez Palma: No, para nada. Hay canciones clásicas que siempre están, otras muy festivas que las dejamos para que el público las pueda elegir y también se rescatan muchas canciones viejas, que quizás Joaquín hace muchos años que no las toca.&nbsp;Antonio García de Diego: Nosotros elegimos el repertorio en función de nuestras posibles habilidades o gustos. También depende mucho del lugar donde toquemos. Si venimos a Buenos Aires, por ejemplo, siempre pensamos qué canción sería un guiño especial para esta ciudad. ¿Qué canción habría que cantar en Buenos Aires, Erika?P: Dieguitos y Mafaldas, no puede faltar.&nbsp;P: Si tuvieran que elegir una canción del repertorio que más disfrutan cantar, ¿cuál sería?Antonio García de Diego: Hay una que siento mucho, aunque ahora no la estoy cantando. "Amor se llama el juego", es una canción muy cruel, pero con un doloroso placer. Cuando la canto la presento como una canción dulcemente cruel.Mara Barros: Me cuesta, porque me gustan muchas, pero disfruto especialmente “Peces de ciudad”. También “Y se amanece por fin”.Laura Gómez Palma: Yo me divierto mucho con las más rockeras, pero también me emociono mucho con "Amor se llama el juego" y "Peces de Ciudad". También me encanta "La canción más hermosa del mundo", pero ahora no la estamos haciendo. El repertorio es enorme, es difícil elegir.P: Pensando a futuro: ¿cómo creen que se recordará a Sabina dentro de veinte años?Antonio García de Diego: Con la deriva que está llevando el mundo, se me hace un poco difícil pensar esos hipotéticos 20 años. Pero entiendo que Joaquín es atemporal. Su público es intergeneracional: en sus conciertos ves gente de 70 años y chicos de 20. Probablemente la inteligencia todavía esté acá en 20 años, no la artificial sino la sensitiva y que todavía se darán cuenta de que pasaban cosas muy emocionantes en una época determinada de que había gente que escribía como escribía como escribe Joaquín.Laura Gómez Palma: Creo que el público de Joaquín es tan ultra sabinero que el propio público se va a encargar de transmitirlas. Es algo que pasa de generación en generación. Vos vas a un concierto de Joaquín y van abuelos, padres y nietos. Hay fans de 20 años que ya llevan tatuadas cosas en los brazos. Quiero creer que eso puede pasar a una generación más y que, como dijo Mara, las canciones de Sabina son atemporales y sobrevivirán mucho más.&nbsp;Mara Barros: Las canciones de Joaquín van a sobrevivir, no porque nos encarguemos nosotros, sino porque confío en que los medios continúen dándole espacio a las canciones de Joaquín en 20 años y que pasen de generación en generación. Pero sí es algo que me preocupa seriamente. Para los nietos de mis amigas, ¿quién será un clásico? ¿Sabes? Porque si para los hijos de mis amigas Sabina es un clásico, para los nietos, ¿quién será? A mí eso me me me preocupa profundamente, espero haber muerto.&nbsp;Lo que sí me preocupa es el momento de la industria musical, lo digo como solista también. Las nuevas generaciones hacen otro tipo de música y los medios no siempre dan espacio a los cantautores.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=tFgPdo8bFX8"></oembed></figure>Entre recuerdos de giras, reflexiones sobre el futuro de la música y la emoción por el final de una etapa, La Banda Sabinera llega al Teatro Coliseo de Buenos Aires para celebrar un cancionero que ya forma parte de la memoria colectiva.Porque si algo quedó claro en la charla es que las canciones de Joaquín Sabina, como ellos mismos dicen, “se sostienen solas”. Y mientras haya alguien dispuesto a cantarlas —en un teatro o arriba de un escenario improvisado—, ese universo seguirá vivo.

La Banda Sabinera llega a Buenos Aires por primera vez sin Joaquín. Laura, Mara Barros y Antonio García de Diego, históricos músicos del cantautor español, hablaron con Filo.news del cierre de la gira "Hola y adiós", su historia con el jefe y del espectáculo que revive ese repertorio con fans arriba del escenario.

La Banda Sabinera llega a Buenos Aires por primera vez sin Joaquín. Laura, Mara Barros y Antonio García de Diego, históricos músicos del cantautor español, hablaron con Filo.news del cierre de la gira "Hola y adiós", su historia con el jefe y del espectáculo que revive ese repertorio con fans arriba del escenario.

La banda de Sabina salió de gira: el duelo por el retiro del jefe, su vínculo con Buenos Aires y el legado de sus canciones

La 60° edición del Super Bowl no solo fue una celebración de las seis décadas del evento deportivo más visto, sino que también marcó un punto de inflexión cultural, en medio de una crisis política por la embestida del presidente Donald Trump contra los extranjeros. El puertorriqueño Bad Bunny se convirtió en el primer artista latino en cantar mayormente en español durante un show de medio tiempo, después de también ser el primer latino en ganar un Grammy. Su presentación fue mucho más que un espectáculo musical y se convirtió en una declaración política, identitaria y cultural frente a millones de espectadores alrededor del mundo.La expectativa alrededor del artista puertorriqueño no estaba puesta únicamente en el despliegue escénico o en la lista de hits, sino en lo que Benito Martínez Ocasio podía decir desde uno de los escenarios más influyentes de la industria cultural global.Tal es así, que el puertorriqueño estuvo acompañado por músicos como Ricky Martin y Lady Gaga, quienes cantaron junto a él durante el espectáculo, mientras que también estuvieron presentes Rosalía, Karol G, Cardi B, Residente, Young Miko, los actores Jessica Alba y Pedro Pascal, así como también el empresario David Grutman.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DUiVfx7jyUb/?hl=es&amp;img_index=1"></oembed></figure>La presentación comenzó con “Tití me preguntó”, con Bad Bunny vestido completamente de blanco y recorriendo una imponente estructura montada en el campo de juego que simulaba ser Puerto Rico, colmado de cañas de azúcar, que fueron el pilar económico y social de la isla. Desde ese primer instante, la propuesta dejó en claro que no sería un espectáculo neutral.El repertorio funcionó como un recorrido por su universo musical y por la cultura latina. Temas como “Yo perreo sola”, del que participaron como parte del set figuras latinas y globales como Karol G, Cardi B, Pedro Pascal y Jessica Alba que reforzaron la idea de comunidad cultural arriba del escenario. También repasó "EoO", "Mónaco" y “Voy a llevarte para P.R.”, que consolidaron un setlist que combinó fiesta, identidad y mensaje social.Uno de los momentos más celebrados llegó con el popurrí dedicado a la música puertorriqueña, donde sonó “Gasolina” y "Dale Don", clásicos de Daddy Yankee y Don Omar, respectivamente, que ayudaron a instalar el reggaetón en el mapa global. Allí, Bad Bunny interrumpió brevemente la música y dijo: "Están escuchando música de Puerto Rico", más adelante añadió "mi nombre es Benito Antonio Martínez Ocascio y si hoy estoy aquí en el Super Bowl 60° es porque nunca nunca dejé de creer en mí; tú también deber tú también deberías de creer en ti".<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DUibMCmj0UT/?hl=es&amp;img_index=1"></oembed></figure>La primera invitada de la noche fue Lady Gaga, quien sorprendió con una interpretación en clave salsa de “Die With Smile”, mientras que Ricky Martin subió al escenario para cantar “Lo que le pasó a Hawaii”, una de las canciones más políticas de "DeBÍ TiRAR MáS FOToS", el último álbum del puertorriqueño. La elección de esta canción no fue casual, ya que la performance funcionó como una reivindicación cultural y territorial, atravesada por el debate sobre la identidad puertorriqueña y la intención de no convertirse en el próximo Hawái de Estados Unidos.Luego llegaron “Baile inolvidable” y “NUEVAYoL”, donde el cantante protagonizó uno de los momentos más emotivos del show al entregarle un Grammy en un gesto simbólico que representa compartirle el premio a su yo infantil. Tras el show circularon rumores falsos que aseguraban que se trataba de Liam Conejo Ramos, un menor de cinco años detenido por ICE.&nbsp;El cierre del show llegó con la canción que le da nombre a su último disco, Debí tirar más fotos, en la previa, el artista comenzó a nombrar países de América Latina comenzando desde Chile, pasando por Guyanas y Antillas, y cerrando con Canadá y Puerto Rico, rodeado de bailarines que levantaban banderas de toda la región. La imagen funcionó como un gesto de pertenencia colectiva y de visibilización cultural en el escenario televisivo más masivo del mundo.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DUiYa69ksSe/?hl=es&amp;img_index=1"></oembed></figure>La presentación de Bad Bunny llegó en medio de su enfrentamiento público con Donald Trump, a quien criticó reiteradamente por sus políticas migratorias y el accionar del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas (ICE).El artista ya había manifestado su postura durante la última ceremonia de los premios Grammy, donde expresó: “No somos salvajes, no somos animales, no somos aliens. Somos humanos. Somos americanos”.&nbsp;Al cierre del show, el mandatario apuntó duramente contra el artista y la NFL: "El espectáculo de medio tiempo del Super Bowl es absolutamente terrible, ¡uno de los peores de la historia! No tiene sentido, es una afrenta a la grandeza de Estados Unidos y no representa nuestros estándares de éxito, creatividad ni excelencia. Nadie entiende ni una palabra de lo que dice este tipo, y el baile es repugnante, especialmente para los niños pequeños que lo ven desde todo Estados Unidos y el mundo".Vale destacar que es la primera vez que un presidente estadounidense no asiste al espectáculo deportivo. Trump declaró que no conocía al músico y calificó su elección como “ridícula”.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/02/09/DiseÃ±o_sin_tÃ­tulo_-_2026-02-09T122101.2027594_.jpg"></figure>El Super Bowl históricamente funcionó como un termómetro del poder cultural estadounidense. La presencia de Bad Bunny no solo amplió ese mapa, también evidenció el peso global de la música latina y su capacidad para instalar discusiones sociales dentro de la industria del entretenimiento.

Su presentación fue mucho más que un espectáculo musical y se convirtió en una declaración política, identitaria y cultural frente a millones de espectadores alrededor del mundo. Donald Trump enfureció.

Su presentación fue mucho más que un espectáculo musical y se convirtió en una declaración política, identitaria y cultural frente a millones de espectadores alrededor del mundo. Donald Trump enfureció.

Más que un show, una declaración política: Bad Bunny hizo historia en el Super Bowl

Cada 23 de enero en Argentina se conmemora el Día Nacional del Músico en honor al nacimiento de Luis Alberto Spinetta, astro del rock nacional. Con pasado en bandas como Almendra, Pescado Rabioso, Invisible y Spinetta Jade, el Flaco deleitó e inspiró a millones alrededor del mundo y continúa haciéndolo.&nbsp;Hablar de su carrera es volver a alguien que entendió la música como algo mucho más profundo que una carrera o el éxito. Para él, el arte fue una forma de habitar el mundo, de pensarlo y, sobre todo, de hacerlo un poco más humano. Desde muy joven, Spinetta asumió que el acto creativo tenía una responsabilidad ética. No solo se destacaba como músico, también dibujaba compulsivamente, era amante de la poesía y la filosofía y de ahí que sus letras sean tan profundas, metafóricas y que escapaban a los moldes comerciales.Lejos estaba Luis Alberto Spinetta de buscar agradar, por el contrario en su música y su arte buscaba dar un mensaje. En ese gesto, que sostuvo durante toda su vida, se explica buena parte de su obra y de su coherencia.El arte no era un lugar de comodidad para el Flaco, tal es así que disolvió bandas en su mejor momento, cambió de sonido cuando el público ya estaba acostumbrado y siguió caminos que, muchas veces, iban a contramano del mercado discográfico. Para él, “el talento es el hombre en libertad. Nace en cualquier persona que se sienta capaz de volar con sus ideas".&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=G9D_7ZUPnY8"></oembed></figure>Su vínculo con la música estuvo atravesado por una búsqueda espiritual. Spinetta leía a Artaud, Rimbaud o Castaneda, como herramientas para pensar el amor, el dolor, la fragilidad y el deseo. Sus canciones, incluso las más crípticas, siempre dialogaron con lo esencial para el desarrollo humano.Con esa filosofía de ir contra lo comercial, el Flaco en 2009 hizo un concierto histórico que duró más de cinco horas con invitados de la talla de Gustavo Cerati, Fito Páez y Charly García. Uno de los momentos más entrañables fue un ensayo con Fito en el que, tras tocar Las cosas tienen movimiento, Spinetta le dijo a Páez: “Me hiciste inmensamente feliz”. Páez, socarrón, responde: “Lástima el cantante” (si bien el tema es del rosarino, fue popularizado por otro coterráneo: Juan Carlos Baglietto, que lo incluyó en su disco "Modelo para armar" de 1985). Ahí al Flaco se le caen los anteojos, Fito los agarra y se los acomoda cariñosamente. Eso resume su mezcla de genialidad, humildad y humor.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DT2yZ3LDxBN/?hl=es-la&amp;img_index=1"></oembed></figure>Pos mortem, se conoció material inédito como lo fue el álbum "Ya no mires atrás", publicado en enero de 2020 finalizado por sus hijos, y un show suyo del 28 de octubre de 1973 en el Teatro Astral donde presentó temas que luego formarían parte de Artaud. Este material estuvo perdido hasta que un fan, que conservó la grabación del primero show (eran dos en esa locación). Allí no solo se escucha música, sino que Spinetta habla con el público y cuenta detalles de lo que venía, casi como un filósofo rockero en vivo.&nbsp;En el Día Nacional del Músico, volver a Spinetta es recordar que crear también puede ser un gesto de ternura. Que la profundidad no está reñida con la belleza. Y que, en tiempos de ruido y urgencia, el arte sigue siendo una forma de resistencia sensible.

Luis Alberto Spinetta: "El talento es el hombre en libertad. Nace en cualquier persona que se sienta capaz de volar con sus ideas"

"El talento es el hombre en libertad. Nace en cualquier persona que se sienta capaz de volar con sus ideas", decía el músico argentino que nació el 23 de enero de 1950. Su vida artística y su legado.

"El talento es el hombre en libertad. Nace en cualquier persona que se sienta capaz de volar con sus ideas", decía el músico argentino que nació el 23 de enero de 1950. Su vida artística y su legado.

Día Nacional del Músico: Luis Alberto Spinetta y el arte de habitar el mundo

A la par de que los incendios forestales vuelven a avanzar sobre la Patagonia, el Gobierno decide desfinanciar las políticas de prevención y combate del fuego. En el Hoyo, Chubut, el fuego ya consumió una superficie estimada en 11.970 hectáreas, según el parte técnico más reciente emitido por el Servicio Provincial de Manejo del Fuego (SPMF). Hay quince familias evacuadas y dos autoevacuadas, informó el gobernador chubutense Ignacio Torres.En 2025, el Servicio Nacional de Manejo del Fuego (SNMF) dejó sin ejecutar el 25% del presupuesto, equivalente a casi $20.000 millones, de acuerdo a un análisis de la Fundación Ambiente y Recursos Naturales (FARN). En cuanto a las partidas previstas para 2026, se proyecta una caída real del 71,6% respecto de 2025 en los fondos destinados al combate y prevención de incendios.Actualmente hay cuatro focos activos en la región patagónica, según los últimos datos proporcionados por la Agencia Federal de Emergencias. El más grave continúa siendo el de Puerto Patriada, en El Hoyo (Chubut), pero también se registran incendios en Puerto Café (Parque Nacional Los Alerces) y en zonas de Aluminé, Neuquén.El gobernador chubutense Ignacio Torres aseguró que el incendio en Puerto Patriada fue iniciado de forma intencional, tras comprobarse el uso de acelerantes. “Es la peor tragedia ambiental en 20 años”, afirmó el secretario de Bosques provincial, Abel Nievas.&nbsp;<h4>El fuego y la ausencia del Estado</h4>Más de 20 organizaciones ambientales advirtieron que los incendios en la Patagonia son “otro síntoma alarmante de la crisis climática global y de la inacción estatal en materia de mitigación y prevención”. En ese marco, los números del Servicio Nacional de Manejo del Fuego (SNMF) funcionan como un termómetro claro de las prioridades oficiales: hubo una subejecución del 25% de su presupuesto.Estos fondos, según la FARN, podrían haberse destinado a infraestructura, equipamiento, capacitación y mejores condiciones laborales para brigadistas. Este dato no es aislado, ya que el SNMF en 2023 ejecutó el 100% de su presupuesto, aunque un año después (2024) la ejecución cayó al 22%, pese a que se trató del período con mayor cantidad de focos de incendio de al menos los últimos ocho años. Esa subejecución explica, en gran medida, una caída real del 81% del presupuesto entre 2023 y 2024.Si bien en 2025 la ejecución mejoró hasta el 76%, el leve aumento real del presupuesto (8,5%) se explicó casi exclusivamente por ampliaciones concentradas en el último trimestre, destinadas mayormente al alquiler de maquinaria y transporte. Es decir, recursos orientados a apagar incendios ya desatados, no a prevenirlos.El panorama se agrava hacia adelante, ya que el proyecto de Presupuesto 2026 prevé una caída real del 71,6% en los fondos destinados al SNMF respecto de 2025. En términos comparativos, el presupuesto sería 68,9% menor al de 2023.&nbsp;Además, la participación del manejo del fuego dentro del presupuesto total del Estado nacional se reduciría del 0,032% en 2023 al 0,014% en 2026, una baja del 57% en términos relativos.El ajuste impacta directamente en capacidades clave, según la FARN. Las horas de vuelo se verán reducidas de 5.100 (2023) a 3.100; mientras que los informes de alerta temprana y evaluación de peligro bajarían de 2.310 en 2025 a 1.850 en 2026. Vale destacar que se trata de herramientas centrales para un enfoque preventivo que, una vez más, quedan relegadas.“La lógica de actuación es siempre con los incendios consumados y nunca con carácter preventivo”, explicó Ariel Slipak, coordinador del área de Investigación de FARN. Y agregó: “No sólo se necesita más presupuesto, sino atacar las causas de los incendios vinculadas al uso del suelo y a prácticas no respetuosas con los bosques”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/01/11/Donald_Trump_(11)7321_.jpg"><figcaption>El foco de El Hoyo continúa activo y ya consumió más de 3.500 hectáreas | Foto: Reuters.</figcaption></figure>A este escenario se suma la disolución del Fondo Nacional de Manejo del Fuego en 2025, un mecanismo que garantizaba financiamiento específico, automático y transparente a partir de aportes del sector asegurador. Su eliminación, en nombre del ajuste fiscal y del superávit, redujo aún más las herramientas para anticiparse a emergencias que ya no son excepcionales, sino recurrentes.En paralelo, Argentina sigue sin incorporar los delitos ambientales al Código Penal, lo que debilita cualquier respuesta estructural frente a incendios intencionales. La paradoja es evidente: "Al mismo tiempo, quienes denuncian intencionalidad suelen ser los mismos actores que luego impulsan o avalan recortes presupuestarios que reducen drásticamente la capacidad del Estado para prevenir y combatir incendios", concluye con dureza la FARN.

En Chubut hay 15 familias evacuadas y dos que se autoevacuaron | Foto: Reuters.

Actualmente hay cuatro focos activos y organizaciones ambientales advierten que se trata de “otro de los síntomas alarmantes de la crisis climática global y la inacción estatal en materia de mitigación y prevención”. El presupuesto cae año a año y se proyecta una baja de más del 70% real en manejo del fuego para 2026, según la ley de leyes.&nbsp;

Actualmente hay cuatro focos activos y organizaciones ambientales advierten que se trata de “otro de los síntomas alarmantes de la crisis climática global y la inacción estatal en materia de mitigación y prevención”. El presupuesto cae año a año y se proyecta una baja de más del 70% real en manejo del fuego para 2026, según la ley de leyes.&nbsp;

La Patagonia mantiene cuatro incendios activos, mientras se proyecta un recorte del 70% en manejo del fuego para 2026

Mientras el mundo "Florece en el caos", <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/11/09/ntvg-cerro-su-gira-por-los-30-anos-en-llamas-y-con-un-cierre-que-florece-en-el-caos">No Te Va Gustar</a> volvió a grabar un álbum que contiene 10 canciones, algunas más roqueras y con riffs crudos, pero sin abandonar la identidad que supieron construir a lo largo de las últimas tres décadas. El disco, lejos de esquivar lo hostil que se volvió la sociedad en los últimos años, analiza lo ocurrido y lo transforma en canciones.“Es emocionante volver a meternos en el estudio. Habíamos grabado temas sueltos, pero teníamos ganas de grabar un álbum”, cuentan Emiliano Brancciari y Martín Gil, cantante y trompetista de NTVG, en diálogo con Filo.news. El material de estudio, que recupera el pulso rockero de la banda desde la canción que abre el disco -Halcones y payasos- y condensa un concepto que se revela desde el título: el caos que florece en la sociedad y atraviesa desde la política hasta las relaciones.&nbsp;También te puede interesar: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/05/21/ntvg-y-la-filarmonica-de-medellin-llegan-a-buenos-aires-cuando-el-rock-se-deja-habitar-por-lo-sinfonico">NTVG y la Filarmónica de Medellín: cuando el rock se deja habitar por lo sinfónico.</a>"Quieren eliminar las banderas de nuestros balcones/ lo lograste una vez, pero ya nunca más / Un payaso servil, mala gente, los mismos traidores", cierra la letra de Halcones y payasos, una canción fuertemente contestataria y con riffs más crudos.&nbsp;Si bien NTVG es canciones de amor, desamor y resiliencia, también hay crítica social sobre todo en su primer álbum <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://open.spotify.com/intl-es/album/3Z1cTp20KJooqXq5zRLmWt?si=doCdwm9QQjOB80h5lZcTcw">Solos y de noche (1998)</a> con canciones como Yalala La La M M, La ciudad de los pobres sin calma, Yrigoyen y Nadie duerme, pero también Tirano (2006), Pensar (2006) y Nunca más a mi lado (2010), entre otras. “Nos gusta decir lo que pensamos con música”, asegura Emiliano Brancciari.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=P0du2ZLWKuw&amp;list=OLAK5uy_m1sQPfNGFdZSlVjOCJI6-8Zz0RALsMewk"></oembed></figure>El proceso creativo de este álbum, así como el contenido, fue distinto, ya que se grabó de manera colectiva, todos al mismo tiempo, tema por tema. Una dinámica que permitió que los arreglos se definieran en conjunto y que cada instrumento encontrara su espacio desde el inicio. “Fue un proceso muy lindo, todos participamos de principio a fin”, resumen.&nbsp;El único invitado de este álbum fue Andrés Ciro Martínez, que aporta voz y armónica en Todo Mal, una canción que, según contó Emiliano Brancciari, fue pensada desde el primer momento para que el líder de Los Persas la cante junto a ellos. La relación entre las bandas no es nueva, el líder de NTVG fue uno de los pocos invitados que tuvieron Los Piojos en su vuelta a los escenarios después de 16 años.&nbsp;"Después que estaba la canción escrita y grabada con el teléfono, yo sabía que le iba a quedar bien a Ciro. Entonces, se la dejé primero a mis compañeros y después le escribí directamente a él y fue a grabar a Montevideo, estuvo buenísimo", contó Brancciari, al mismo tiempo que Martín afirmó que la colaboración, después de todo el tiempo compartido en estos años, fue "consolidar la relación" entre ambas bandas.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DTROpLIgAZ0/?hl=es-la"></oembed></figure>A la hora de elegir canciones favoritas, Emiliano fue tajante y eligió "Si el mar me ve", una canción que se remonta al desamor y el tiempo transcurrido en la playa con una pareja que se rompió, con una melodía propia de los uruguayos con presencia de vientos, pero también de guitarras tranquilas. Si bien Martín coincidió, también destacó la emoción profunda que le generó desde el minuto cero En mil pedazos, "fue quizás de las canciones que más cambió de cómo empezamos a grabarla o a tocarla y la versión que quedó finalmente. Me emociona mucho", confesó.Con Florece en el caos, No Te Va Gustar vuelve a decir presente en un mundo hostil, sin bajar la guardia ni perder la sensibilidad. El próximo 25 de abril, el reencuentro con Buenos Aires será en Ferro, donde en medio del desorden el rock promete volver a florecer.

"Nos gusta decir lo que pensamos con música”, aseguran en exclusiva con Filo.news. El nuevo material está compuesto por 10 canciones, algunas más roqueras y con riffs crudos, pero sin abandonar la identidad que supieron construir a lo largo de las últimas tres décadas.

"Nos gusta decir lo que pensamos con música”, aseguran en exclusiva con Filo.news. El nuevo material está compuesto por 10 canciones, algunas más roqueras y con riffs crudos, pero sin abandonar la identidad que supieron construir a lo largo de las últimas tres décadas.

NTVG lanzó "Florece en el caos", un álbum con riffs crudos y crítica social, pero sin dejar de lado su esencia

"Para nosotros con un sobreviviente que hoy de acá con una sonrisa, todo lo que hicimos en estos 21 años, valió la pena", aseguró Diego Cocuzza, presidente de No Nos Cuenten Cromañón, organización de sobrevivientes y familiares de víctimas de la masacre, que cada 30 de diciembre realizan un multitudinario acto en homenaje a los 194 fallecidos y por los miles de sobrevivientes."Les agradecemos el apoyo y la confianza de haber venido a pasar este día tan doloroso, a veces, pero que también supimos transformar en otra cosa. Siempre digo que con el dolor se pueden hacer un montón de cosas: criticar, pedir venganza, llorar y tambien se puede construir", cerró su discurso en la noche del 30 de diciembre Cocuzza, en un año particular, debido a que por el crecimiento de la convocatoria el acto en homenaje se tuvo que trasladar al estadio Malvinas Argentinas.A 21 años de la masacre de Cromañón, el homenaje a las 194 víctimas de la masacre es una nueva reafirmación colectiva de memoria, de que el dolor no se archiva y la lucha no se negocia.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DS70QoElf_0/?hl=es-la&amp;img_index=2"></oembed></figure>Bajo el lema “A la gente solo la ayuda la gente”, la organización No Nos Cuenten Cromañón reunió a sobrevivientes, familiares, amigos y nuevas generaciones que no estuvieron aquella noche del 30 de diciembre de 2004, pero que crecieron escuchando la historia como una herida abierta del rock nacional. Con el bono contribución que pagó el público que asistió al acto, la ONG Tejiendo el Barrio y Fundación Argentinos Juniors donarán alimentos y juguetes para barrios populares.<h4>La música como cura</h4>Desde temprano, las remeras con la frase "la música no mata", las banderas gastadas por los años y los carteles con fechas de la noche que la gente se niega a olvidar marcaron el pulso de la jornada.&nbsp;La música, como siempre, fue lenguaje y catarsis. Por quinto año consecutivo, Don Osvaldo, la banda de Patricio Santos Fontanet y Christian Torrejón, exintegrantes de Callejeros, volvió a decir presente, con un público que cantó sabiendo que cada letra tiene un peso diferente cuando la historia no terminó. Ya lo dijeron en Creo, con una canción la tristeza es más hermosa y vaya que transforman cada 30 de diciembre para cada uno de los sobrevivientes que asisten al acto.Don Osvaldo le dedicó el show a Juan Gabriel González, vecino de Lugano que fue asesinado presuntamente por gatillo fácil el pasado jueves. "Para él va el recital de hoy", dijo Fontanet al inicio del show. "Cuando los que nos tienen que cuidar nos cuiden, trabajen de eso, porque trabajan de eso y cobran; cuando los que nos tienen que juzgar trabajen de eso, porque cobran por eso; seguramente va a haber justicia y vamos a poder hacer el festival en la calle. Hasta tanto, seguimos pidiendo justicia por las víctimas de Cromañón", cerró antes de tocar 9 de Julio.&nbsp;El bloque musical lo abrió Ojos Locos, la banda que teloneó a Callejeros aquella fatídica noche, recordándola con canciones como Puede ser hoy, del álbum "Guerra de nada" dedicado a los 11 familiares del grupo que murieron en Cromañon. Después llegaron Cruzando el Charco, que fue la primera banda sorpresa; La Chancha Muda, Peligrosos Inocentes, Wayra Iglesias y Cabra da Peste, en una grilla atravesada por la emoción y el respeto.&nbsp;"Cuando venía para acá pensaba que la palabra más nefasta de toda la historia es 'corrupción'. A los pibes los mató la corrupción. También venía pensando en una frase que desde que la escuché la primera vez no deja de resonarme e interpelarme, que es algo que todos entendemos y que es que 'la música no mata'. A seguir recordando", pidió Nahuel Piscitelli de Cruzando el Charco.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DS70QoElf_0/?hl=es-la&amp;img_index=3"></oembed></figure>Durante el acto, desde No Nos Cuenten Cromañón contaron que uno de los reclamos que más años tardó en llegar fue el reconocimiento por parte del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires de las y los sobrevivientes como víctimas de la masacre, incorporándolos como beneficiarios plenos de la ley 4786. Un paso que no borra lo vivido, pero que era una deuda histórica. Además, invitaron a quienes necesiten realizar los trámites, a escribirles para brindarles asistencia.La organización también destacó el trabajo silencioso que sostiene desde hace años, como lo es el programa de asistencia psicológica para sobrevivientes, además de charlas en escuelas y espacios culturales para que Cromañón no quede reducido a una efeméride. Porque la memoria, como repiten, no es solo mirar hacia atrás sino que también es advertir, cuidar y construir otra forma de estar juntos.

"Para nosotros con un sobreviviente que hoy de acá con una sonrisa, todo lo que hicimos en estos 21 años, valió la pena", aseguran desde No Nos Cuenten Cromañon. El acto contó con la presencia de bandas invitadas, entre ellas, Don Osvaldo, Ojos Locos y Peligrosos Inocentes, donde los músicos también son sobrevivientes de la masacre.

"Para nosotros con un sobreviviente que hoy de acá con una sonrisa, todo lo que hicimos en estos 21 años, valió la pena", aseguran desde No Nos Cuenten Cromañon. El acto contó con la presencia de bandas invitadas, entre ellas, Don Osvaldo, Ojos Locos y Peligrosos Inocentes, donde los músicos también son sobrevivientes de la masacre.

Cromañón, 21 años después: canciones, abrazos y una herida que continúa abierta

<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2023/04/12/rondamon-que-bonita-vecindad-revaloriza-el-estar-cerca-de-la-gente-que-te-hace-bien">RonDamon</a> presentó "Flores de invierno", el tercer adelanto de su álbum que según confió a este medio se va a llamar "Ya llegó el platillo volador", en honor a la icónica frase con la que el Chavo y Quico le avisan a Don Ramón que Don Barriga aterrizó en la vecindad para cobrarle la renta. Antes lanzaron “Uno atrás del otro”, junto a Los Pericos, e “Ida y vuelta a Mictlán” con Manu Martínez.Sin invitados esta vez, “Flores de invierno” es directa, luminosa y emocional. Mingo cuenta que está muy "conectada con la playa" marplatense que ellos habitan. “Se llama Flores de invierno y sale en verano. Esto no es casualidad porque habla justamente de esa espera entre las estaciones", asegura. "El invierno en Mar del Plata es mucho más largo, hace frío y es difícil", añade, pero como todo, resistiendo, lo "malo" pasa.&nbsp;El reggae aparece como refugio y con una energía vital, casi playera, que lejos de negar el cansancio, lo transforma. “Venimos de un tema mucho más melancólico como ‘Ida y vuelta a Mictlán’ -una canción atravesada por la mitología mexicana, la memoria y los vínculos familiares- y ahora volvimos a un reggae más alegrón, más parecido a lo que hacíamos hace unos años”, explica Mingo. &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=GK8crlmPxlQ&amp;list=RDGK8crlmPxlQ&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Ese juego de contrastes atraviesa todo el disco que viene. “Flores de invierno”, “Uno atrás del otro” junto a Los Pericos, e “Ida y vuelta a Mictlán” junto a Manu Martínez, son tres canciones muy distintas entre sí, pero unidas por una misma lógica: no encasillarse. “El nuevo disco va a ser el más variado que hicimos”, adelantan. Habrá reggae, rock, climas stone e incluso un tema folk con aires a Dylan.<h4>La relación con El Chavo del 8</h4>La conexión con México no es casual ni estética, ya es parte del ADN de RonDamon. Desde Don Ramón -por quien llevan su nombre- hasta Mictlán, pasando por las giras y la recepción del público mexicano, la banda construyó un puente cultural que se siente natural. “En 2023 fuimos a México de gira y tuvimos la oportunidad de ir a los estudios, o la reconstrucción de un simil estudio, del Chavo. Fue una locura. Después nos llamó mucho la atención como nos recibió la gente, cantaban las canciones enteras, incluso las nuevas. Nos mirábamos entre nosotros y no lo podíamos creer”, recuerdan.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/CzglEhdr6aq/?hl=es-la&amp;img_index=1"></oembed></figure>La banda se iba a llamar Don Ramón, pero tuvieron problemas porque ya había una banda que se llamaba de esa manera, entonces decidieron ponerle RonDamon, que es como el Chavo le decía a su vecino.&nbsp;Don Ramón, ese personaje que trabajó de todo sin saber hacer nada, que esquivaba la renta, que era padre soltero y símbolo de la clase trabajadora latinoamericana, sigue funcionando como faro. “La vecindad parece una pavada, pero es un resumen de la sociedad”, reflexiona Mingo. Y en ese espejo, RonDamon encuentra una identidad: canciones que no caretean, que mezclan géneros y que se permiten hablar de lo que duele sin perder el humor ni la esperanza."Ya llegó el platillo volador" todavía no tiene fecha de salida, pero mientras el mundo aprieta, RonDamon sigue encontrando la forma de escaparse por la ventana, guitarra en mano, y convertir la resistencia en canción.

RonDamon, entre el reggae y El Chavo: "En México, la gente cantaba canciones enteras" | Foto: gentileza de prensa.

Si bien el álbum todavía no tiene fecha de salida, la banda aclara que "va a ser el más variado que hicimos", ya que habrá reggae, rock, climas stone e incluso un tema folk con aires a Dylan.&nbsp;

Si bien el álbum todavía no tiene fecha de salida, la banda aclara que "va a ser el más variado que hicimos", ya que habrá reggae, rock, climas stone e incluso un tema folk con aires a Dylan.&nbsp;

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