"Este álbum lo hicimos como si fuera el último que vamos a hacer, con todo el amor del mundo y todo el profesionalismo posible", así define Nacho Mendoza "Radio Venezuela", el nuevo disco de Chino y Nacho que llega después de años de distancia, conflictos y un reencuentro marcado por momentos límite. Atravesado por la diáspora venezolana, el álbum reune a una amplia generación de artistas locales dispersos por el mundo y funciona como una especie de regreso colectivo.La diáspora venezolana supera los 8 millones en 2026, según ACNUR. "Radio Venezuela" toma esta experiencia de inmigración y desarraigo, que si bien es una "noticia complicada" y triste", como dice Nacho, también genera un "cruce entre el ADN venezolano con el del resto del mundo". Este álbum "es un recordatorio de raíces, una conexión cultural en cercanía y a la distancia, un lugar a donde volver en donde sea que te encuentres", resume Nacho.Chyno y Nacho se alejaron en 2017 y años después se fueron reencontrando a lo largo de sus carreras. Pero la vuelta no fue inmediata ni sencilla: "Nos encontró en tormentas", dice. "Cuando sentíamos miedo de que la vida no nos alcanzara para reconciliarnos como amigos y como pareja musical", asegura. Chyno Miranda sufrió graves secuelas neurológicas tras contraer COVID-19 en 2020, incluyendo neuropatía periférica y encefalitis.&nbsp;<blockquote>“Me lo reencuentro en un sitio de rehabilitación mental y física. Veía cómo su cuerpo había cedido ante el maltrato físico y psicológico, ante la falta de amor y muchas cosas que le tocó vivir”, recuerda.</blockquote>No fueron necesarias muchas palabras. “Ni siquiera tuvimos que decirnos nada. Dejamos que los ojos hablaran, poder abrazarnos de nuevo, trabajar juntos y apoyarnos en nuestros procesos”, dice. La reconstrucción llegó de la mano de Radio Venezuela, que repasa su carrera, la conexión con ese medio de comunicación y el desarraigo de quienes se fueron del país.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=kWrJTUzTwf4&amp;list=PLxA687tYuMWiiZR01XcU08-gkmnA-wkWX&amp;index=13"></oembed></figure>Canciones como Maleta, muestran al desnudo como se vive ese desarraigo. "No es una maleta llena de ropa, sino una maleta llena de sueños", resume de forma contundente. "Muchos se fueron, pero sueñan con regresar y caminar sobre un mejor presente", sintetiza, aunque destaca también que las canciones incluidas en "Radio Venezuela" podrían extenderse a toda la población latinoamericana que tiene una larga tradición de migración. Recuerda que la Argentina durante la crisis económica también tuvo una gran diáspora.&nbsp;Nacho insiste en que el proceso también transforma. "Los que se fueron regresan culturizados. Hoy tenemos un país multicultural, que conoce otras maneras de hacer las cosas", subraya. Y proyecta: "Hay un futuro cercano que pinta muy bien para todos nosotros".Hay una decisión estética de que el álbum suene como una radio, al inicio se escucha un interludio con la voz de Chataing, figura icónica de la comunicación venezolana, así como también aparece la de Renny Ottolina promediando el álbum. La radio habla más de la experiencia generacional de lo que fue Chyno y Nacho en sus inicios: “Nosotros empezamos cuando no existía Facebook ni YouTube. La conexión era la radio y la televisión”, recuerda.“Era una emoción llegar a una emisora y que el locutor dijera nuestros nombres”, dice. Y sí, cuando salió Mi niña bonita, canción con la que salieron hacia un público masivo, no paraba de sonar en radios de Argentina como Los 40 Principales o Radio Disney, liderando las listas y alcanzando el puesto número 1.El álbum toma esa lógica radial y la actualiza. "Nos estamos convirtiendo en Radio Venezuela", explica Nacho y resalta que en su top 14 están los artistas como Danny Ocean, Mau y Ricky, Rawayana y Akapellah, entre otros, que los acompañan en el disco. "Es una generación que no vivió esa misma realidad que nosotros porque todos son generaciones muchísimo más joven".<h4>Maracaibo y la identidad</h4>El disco también se mete en lo territorial, donde Maracaibo aparece como un caso particular: “Es como otro país. Tiene un acento distinto, una forma de hablar, un sarcasmo muy particular”, afirma Nacho.Mar-a-Caibo funciona como un guiño interno por el exceso de identidad de las personas que viven en el estado de Zulia y la colaboración con el dúo Caibo (su nombre se desprende justamente de la ciudad venezolana). Aunque también se llama de esa manera por Mar-a-Lago, el complejo turístico de Donald Trump. La elección del dúo no es casual, ya que comparten una historia similar. Separación, distancia y reencuentro.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=CAm15R6YAm4&amp;list=PLxA687tYuMWiiZR01XcU08-gkmnA-wkWX&amp;index=20"></oembed></figure>Si bien Radio Venezuela está hecho "como si fuera el último álbum que vamos a hacer", no parece ser una despedida sino una forma de expresar lo que les ocurre actualmente. La inmigración y el reencuentro son los pilares fundamentales, pero también la unión con otros artistas amplificando, a través de la radio, la música venezolana.&nbsp;

Chyno Miranda y Nacho Mendoza lanzaron Radio Venezuela, un disco atravesado por la inmigración y un reencuentro límite. "Nos encontramos cuando sentíamos miedo de que la vida no nos alcanzara para reconciliarnos".

Chyno Miranda y Nacho Mendoza lanzaron Radio Venezuela, un disco atravesado por la inmigración y un reencuentro límite. "Nos encontramos cuando sentíamos miedo de que la vida no nos alcanzara para reconciliarnos".

Chyno y Nacho, después de todo: “Nos encontramos en tormentas y dejamos que los ojos hablaran”

"Queríamos vivir de esto y había que hacerlo al extremo", dicen Joan Manuel Pardo y Santiago Luis, todavía con la adrenalina del show en Rock en Baradero 2026. No es una puesta en escena, Camionero realizó cerca de 80 fechas en 2025 con viajes por todo el país y su festival Tracción a Sangre, que integra el arte, diseño y contracultura, fue en franco ascenso, al punto de que en marzo se realizó en el C Art Media junto con la participación de Rocambole.La historia de Camionero se construyó a pulmón desde la zona norte del conurbano. Santiago es arquitecto de profesión y Joan Manuel, profesor de Filosofía, que amaban la música. Se conocieron en el bar Warhol de Olivos, cuando cada uno tenía su banda y sus destinos se unieron: primero fundaron el sello independiente "Cordillera" y posteriormente decidieron formar su banda.&nbsp;"Empezamos a producir bandas del sello durante 2 años y un día pintó: 'Che, si hacemos algo nosotros más allá del sello'. Ya nos habíamos cansado un poco del sello... nos sentamos en la sala y ahí como que explotó, empezaron a salir los temas", contó Joan Manuel.&nbsp;También te puede interesar: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2026/04/04/rock-en-baradero-or-del-pulso-emergente-de-camionero-y-autos-robados-a-la-consagracion-de-la-vela-las-pelotas-y-kapanga">Rock en Baradero: del pulso emergente de Camionero y Autos Robados a la consagración de La Vela, Las Pelotas y Kapanga</a>.Al principio fue puro rock and roll y blues, pero pronto se abrieron a otros sonidos. Lo que nunca cambió fue la intensidad: "Siempre tocamos mucho. Siempre", enfatizan. El festival Tracción a Sangre fue el verdadero punto de inflexión de la banda. Arrancó como una fecha mensual para 500 personas y terminó en Vorterix con cuatro funciones seguidas y el último fue el C Art Media. En ese ciclo se gestó la comunidad Camionera que hoy los acompaña a todos lados.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=tqUg7zL9bkw"></oembed></figure>La identidad de la comunidad es fuerte. De los ciclos de Tracción a Sangre, el público destacaba que habían parches para coser en las camperas y mochilas, así como también Santiago recuerda que, pese a que las entradas físicas ya eran parte del pasado, ellos realizaban algunas personalizadas con el logo de la banda para darle al público. "Queríamos darle a la gente algo para que se lleve. En la primera fecha que hicimos para 500 personas, hicimos 500 parches, los regalábamos y los cosíamos", cuentan sobre estos gestos de pertenencia.Ese vínculo aún hoy lo valoran. "La gente se caía arriba del escenario, revolvían birra y llenaban de birra mientras tocabas. Eso está lindo", recuerdan, convencidos de que la música es también un espacio de familia.&nbsp;Córdoba se podría describir como la "provincia más Camionera". Si bien Joan Manuel y Santiago giran de norte a sur, en auto, y reconocen que es más sencillo al ser un dúo; explican que, hace poco volvieron de la tierra de la Mona Jiménez, y les llevó "16 giras poder llenar el Club Paraguay", que es para 1.000 personas. "Fuimos desde las primeras épocas, a morir", asegura Santiago.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/04/13/CAMIONERO_POR_DIEGO_HOMEZ_39252_.jpg"><figcaption>Camionero: "Queríamos vivir de esto y había que hacerlo al extremo" | Foto: Diego Homez.</figcaption></figure>Actualmente, Camionero prepara su tercer álbum de estudio, que confirmaron que tendrán diez canciones y aún no tienen terminado. Sin embargo, la presentación ya tiene fecha: se presentará el 23 mayo en el Teatro Flores. "Es inminente. Hemos hecho cosas en peores situaciones", aseguran.&nbsp;Camionero es hoy una de las bandas que mejor encarna el espíritu autogestivo del rock nacional, con trabajo constante, cercanía con el público y la convicción de que la cultura se construye colectivamente. "Tratamos de demostrar que se puede sin necesitar de nadie más allá de vos y tu grupo de amigos", concluyen.

Camionero presenta su tercer álbum de estudio el 23 de mayo en el Teatro Flores | Foto: Diego Homez.

El dúo de Joan Manuel y Santiago recorre las rutas argentinas desde hace ocho años. Mientras terminan su tercer disco, que presentarán el 23 de mayo en el Teatro Flores, refuerzan una apuesta propia: "Tratamos de demostrar que se puede".

El dúo de Joan Manuel y Santiago recorre las rutas argentinas desde hace ocho años. Mientras terminan su tercer disco, que presentarán el 23 de mayo en el Teatro Flores, refuerzan una apuesta propia: "Tratamos de demostrar que se puede".

Camionero, del under al ritual: autogestión, ruta y una comunidad que no para de crecer

En medio del contexto social, político y económico complejo, David Tagger lanzó "El Poder de los Olvidados", un álbum que nació de un show "especial" que dio el músico en el Hospital Borda en 2023 y que, según él mismo define, le cambió la forma de entender para qué hacer música. A eso, se le sumó el clima de época, atravesado por el avance de la ultraderecha y un corrimiento cultural que también lo llevó a profundizar en el concepto del disco."‘El poder de los olvidados’ nace de un show chiquitito que di en el Borda. Era la primera vez que iba a tocar ahí y no sabía qué iba a pasar. Les habían dicho allá: ‘Viene este chico que toca con León Gieco’… y les chupó un huevo. Ahí sos lo que sos en ese momento. No importa con quién tocaste, ni qué hiciste. Sos lo que pasa en ese momento. Y fue hermoso, porque nos pusimos a cantar cualquier cosa, a divertirnos", recuerda David.Allí, los pacientes lo motivaron a cantar The Beatles en conjunto y, en medio de un momento de alta productividad compositiva, a pensar un proyecto más colectivo. "Empecé a ver que mis canciones podían ser una herramienta para conectar con otros", explica. De ahí, no solo nació la idea de un álbum colectivo sino también "Encuentro Beatle", un ciclo musical que homenajea a la banda de Liverpool con diferentes artistas. En años donde el individualismo gana terreno, David apuesta a lo contrario: el encuentro.&nbsp;También puede interesarte: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://filo.news/noticia/2026/02/16/cosquin-rock-2026-la-noche-en-que-leon-gieco-unio-generaciones-y-fue-ovacionado">Cosquín Rock 2026: la noche en que León Gieco unió generaciones y fue ovacionado</a>"El Poder de los Olvidados" refleja esa lógica, no solo en su origen, sino también en su construcción, ya que es un disco grabado de manera independiente, en su propia casa, que fue creciendo a partir de vínculos, afinidades y cruces generacionales. Cuenta con colaboraciones que van desde Nito Mestre hasta Ciaro Spinetta, pasando por Lula Bertoldi, Gustavo Santaolalla y León Gieco. Se presentará oficialmente el <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://tickets.latangente.com.ar/musica/david-tagger">próximo 4 de junio en La Tangente</a>, en un show que promete ser multitudinario: “Es el solista menos solista del mundo”, define entre risas.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=3PaeUjzdXyo&amp;list=OLAK5uy_nwqYCK0FmyPOkwehQqUWZL90Z45SEyfn4&amp;index=11"></oembed></figure>Detrás del músico y su prometedor presente, hay una historia que también explica el recorrido. David creció en La Boca, en una familia atravesada por el arte y la militancia, donde la música convivía con la precariedad. Autodidacta, aprendió a tocar solo, sacando canciones de oído en una casa donde, como él mismo cuenta, "no había juguetes". "Tenía una pelota, una guitarra de mi vieja y un piano. Era eso o la calle", recuerda."Y en un momento bastante heavy de mi vida, la música fue el refugio", añade. David empezó a sacar canciones de oído sin saber que eso era una virtud: "Pensaba que todo el mundo lo hacía. Tocaba horrible, era insoportable para el resto, pero no podía parar", dice entre risas. A los 15 años, el descubrimiento de Oasis, le cambió la perspectiva. “Los veo en un videoclip, con camperones, vestidos como nosotros en el barrio, y dije: 'Esto se puede hacer desde donde estoy'. Me identifiqué. No era solo la música, era la actitud. Era ver que eran pibes como nosotros y que habían llegado", reconoce, al mismo tiempo que asegura que vivió la vuelta de la banda de Manchester como si no hubiera mañana.&nbsp;Ese origen continúa latente a lo largo de su historia: “Hay momentos donde me sale ese pibito de La Boca que no se imaginaba nada de esto. Un día me invita a almorzar León (Gieco) --que no es poca cosa-- y me dice: ‘Estoy con un amigo’ y era Nito Mestre. Y yo necesitaba decirle a alguien: ‘Boludo, estoy acá con ellos’. No es cholulismo, es de verdad. Hay cosas que todavía no puedo creer”, admite.La relación con León es de amistad y confianza, cada tanto desayunan, almuerzan, intercambian mensajes, un vínculo cerano. Aunque David reconoce que sigue teniendolo agendado como "León Gieco" para no olvidarse del gran músico que es su amigo. La relación con Nito, que llegó por Gieco llevó a que el exSui Generis formara parte de "El Poder de los Olvidados" en la canción "Solo con verte", que grabó en EEUU porque estaba de gira.&nbsp;Junto a Lito Vitale, León y Nito cierran un álbum que cruza generaciones y arranca con Ciaro Spinetta, el nieto del flaco, en "Pienso en los demás"; pasa por voces como las de Maggie Cullen y Mila Andersen de El Plan de la Mariposa con canciones como "Promesas que nunca harás" e "Y nada más", respectivamente. También cuenta con la participación de Raul Ruffino y Willi Piancioli de Tipitos en "Estoy Perdido" y "Nuevo cambio de estación", y Lula Bertoldi de Eruca Sativa en "Sorprendeme al despertar". &nbsp;“No invité por nombres. Invitaba a quien sentía que estaba en la misma sintonía. Y a medida que se sumaba uno, era más fácil que se sume otro. Pero no era una estrategia. Era: tengo esta canción y siento que te puede quedar bien”, señala David.&nbsp;Del álbum también participan el multiinstrumentista Manu Sija en "Pajaro sin destino" y Javier Casalla la canción que le da nombre al disco, aportando su violín. Denominado "el violinista del rock", Casalla supo grabar con bandas como Babasónicos, Bersuit Vergarabat y Bajofondo, una banda de tango electrónico liderada por Gustavo Santaolalla, quien también participa en "En busca de los sueños", la anteúltima canción de su álbum. "Pienso estar acá" es el único tema que no cuenta con la colaboración de un artista, sino que tiene a Tagger en soledad.Sobre el resultado de "El Poder de los Olvidados", David destaca que estuvo atravesado por lo humano y lo analógico: “Está grabado como a la antigua. No sé usar afinadores, no sé hacer esas cosas. Lo que canté es lo que quedó. Se escucha la respiración, el roce de la guitarra".<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=S9BBihudx0Q&amp;list=OLAK5uy_nwqYCK0FmyPOkwehQqUWZL90Z45SEyfn4&amp;index=2"></oembed></figure>Después de la presentación oficial en La Tangente, vendrán fechas en el interior y, más adelante, un nuevo disco que ya está en camino. "Ya tengo un montón de canciones nuevas. Pero ahora quiero tocar este disco. Porque en vivo es otra cosa. Ahí es donde todo cobra sentido", asegura.&nbsp;

David Tagger presenta El Poder de los Olvidados en La Tangente el próximo 4 de junio | Foto: gentileza de prensa.

El Poder de los Olvidados nació después de un show en el Borda. Un álbum que cruza generaciones y se apoya en el encuentro y lo colectivo, en medio de un corrimiento que empuja, cada vez más, hacia el individualismo.

El Poder de los Olvidados nació después de un show en el Borda. Un álbum que cruza generaciones y se apoya en el encuentro y lo colectivo, en medio de un corrimiento que empuja, cada vez más, hacia el individualismo.

“Ahí no importa con quién tocaste”: David Tagger, de un show en el Borda a un disco colectivo que cruza generaciones

Si el primer día del <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2026/04/04/rock-en-baradero-or-del-pulso-emergente-de-camionero-y-autos-robados-a-la-consagracion-de-la-vela-las-pelotas-y-kapanga">Rock en Baradero 2026</a> fue una postal del pulso más clásico del rock nacional, el segundo fue un variopinto entre indie, rock alternativo, reggae, metal, electropop y hasta folklore. Cerca de 12.000 personas se congregaron al Anfiteatro Municipal Pedro Carossi, nadie de la zona quería perdérselo, ni siquiera los perros, que fueron parte del paisaje durante ambas fechas, participando del pogo, bailando con la gente o simplemente acostados, escuchando buena música.La grilla arrancó temprano y fue creciendo en intensidad, en el Escenario Ritual, el indie funcionó como columna vertebral: Terapia, Indios y El Zar marcaron ese pulso, aunque econtró un quiebre con Catupecu Machu, con un show tan emotivo como power. Fernando Ruiz Díaz apareció atravesado por el recuerdo de su hermano y lo nombró en más de una ocasión. Ni bien presentó a la banda, lo incluyó: "Gaby está en el aire de Baradero", aseguró.&nbsp;“Desde los 8 años toco la guitarra, nunca pensé que iba a formar mi banda. Después de 32 años esto sigue siendo un sueño”, dijo Fernando, atravesado por una fuerte nostalgia. La lista de Catupecu Machu fue un recorrido por su historia, pasando desde "Magia Veneno", "A Veces Vuelvo", "Entero o a pedazos" hasta "En los Sueños". Pero fue "Dale!", en el cierre, como acostumbra, la que generó un pogo tan intenso que el tema se extendió más de lo previsto, como si nadie quisiera que terminara.El cierre del Escenario Ritual sostuvo la mística indie de la mano de El Kuelgue y El Mató a un Policía Motorizado pasada la medianoche, con dos listas bien hiteras.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DWwtlRDD4nE/?hl=es-la"></oembed></figure>La precursora de los primeros solos de guitarra de la tarde fue Marilina Bertoldi en el Escenario Pogo. Disruptiva como nos tiene acostumbrados, apareció con un estilo pin-up y muñecos en brazos que lloraban y a los que calmaba como una madre, mientras sonaba "Para quién trabajás", canción que le da nombre a su último álbum.&nbsp;Posteriormente, el metal tomó el relevo en el Escenario Pogo con Rata Blanca, que anunció su próximo show en el Arena de Villa Crespo el 2 de diciembre. Con la guitarra de Walter Giardino en el centro de la escena y largos solos muy celebrados por el público, la banda de metal argentino más reconocida se apoyó en sus canciones más clásicas como “Mujer amante”, “La leyenda del hada y el mago” y “Guerrero del arco iris”.Aunque la escena no fue solo sonora, sino que se observó al costado del campo a Pato Sardelli de Airbag bancando tanto a su padrino musical Walter Giardino como a su hermano Gastón, quien está tocando el bajo junto a Rata.En paralelo, el Escenario del Parque ofrecía el "folklore mutante" de Los Tabaleros, que convirtieron su show en una fiesta total de la mano de canciones como “Vino en cartón”, “Sirena vampiro”, “Montaña”. En medio del baile, hubo un homenaje a Viejas Locas con una versión de "Homero", que a 27 años de su lanzamiento, la sigue contando la historia de muchos obreros que no llegan a fin de mes. La figura de Pity Álvarez sobrevoló Baradero durante todo el fin de semana, ya que el viernes fue evocado por Do Neurona con una versión de Religión de Intoxicados.La noche encontró uno de sus picos con Babasónicos que hizo una mezcla precisa entre hits y temas nuevos de “Cuerpos” (2025). La banda liderada por Adrián Dárgelos convirtió el predio en una pista de baile a cielo abierto. No había cuerpos quietos. “Irresponsables”, “Putita”, “Yegua” y “Carismático” se entrelazaron con "Tiempo off" y "Advertencia", del nuevo álbum, confirmando su vigencia estética.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/04/06/Copia_de_marilina_@godymex-033606_.jpg"><figcaption>Marilina Bertoldi presentó Para quién trabajás en Rock en Baradero 2026 | Foto: @godymex.</figcaption></figure>El cierre electrónico quedó en manos de Peces Raros, que llevó el festival hacia otra dimensión sonora con beats, luces y una audiencia que, lejos de agotarse, encontró una última energía para sostener la madrugada.El reggae también tuvo su momento con Los Pericos, mientras que propuestas como Ilan Amores, Kill Flora y Juan Baro completaron un mapa sonoro amplio.El segundo día del Rock en Baradero 2026 no fue lineal ni buscó serlo. El festival se permitió mutar durante horas: el pogo convivió con el baile, la emoción con la electrónica, y donde hasta los perros encontraron su lugar. El domingo, después de dos jornadas con más de 25.000 personas, se respiraba una tensa calma en las calles de Baradero, que hasta la noche del sábado habían sido colmadas. Baradero nos despidió, pero en 2027 volveremos con las mismas ganas que todos los años.&nbsp;

Con más de 25.000 asistentes, Rock en Baradero 2025 volvió a convocar multitudes en el Anfiteatro Municipal Pedro Carossi | Foto: @jc.fotografiaa

Ni los perros se quisieron perder la 12° edición del festival. Fueron parte del paisaje durante ambas fechas, participando del pogo y bailando con la gente. El segundo día fue un variopinto entre indie, rock alternativo, reggae, metal, electropop y hasta folklore.

Ni los perros se quisieron perder la 12° edición del festival. Fueron parte del paisaje durante ambas fechas, participando del pogo y bailando con la gente. El segundo día fue un variopinto entre indie, rock alternativo, reggae, metal, electropop y hasta folklore.

Rock en Baradero: del metal de Rata Blanca al folklore mutante de Los Tabaleros, con Marilina y Catupecu como bisagra

En medio de un calor agobiante y la posterior lluvia, más de 13.000 personas se congregaron en el Anfiteatro Municipal Pedro Carossi para disfrutar del Rock en Baradero 2026. El gran acierto del festival estuvo en las bandas emergentes como Do Neurona -que viene tocando con Pity Álvarez- y Autos Robados y Camionero, que tienen su público fiel y en el último año vienen destacándose en el under. Aunque las bandas consagradas no se quedaron atrás: La Vela Puerca, Las Pelotas, Guasones y Kapanga, todos viejos conocidos del festival que, en palabras del Mono Fabio, es de los pocos que aún "mantiene" la esencia de rock en su grilla.&nbsp;"Esta noche nada va a salir mal", cantaba Autos Robados en su canción Insisto, anticipando un poco lo que sería la noche del viernes: mucha transpiración, pero también inspiración y diversión. La lluvia no evitó que sea una fiesta, aunque sí obligó a adelantar los últimos shows y a quitar el intervalo final, debido a la fuerte lluvia, que trajo un alivio para el sábado.&nbsp;Desde temprano, los escenarios comenzaron a llenarse y no solo de asistentes sino que también se observó más de un músico abajo del escenario: mientras tocaba Autos Robados, se vio a Santiago Luis de Camionero entre el público disfrutando del show. Más entrada la noche, Beto de Los Pérez García también aprovechó y escuchó Guasones como uno más, incluso, lo agarraron algunos fans para sacarse una foto.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/04/04/La_Vela_38628_.jpg"></figure>La hermandad entre artistas no es algo nuevo, generalmente se encuentran en el escenario. Si bien no demasiados cruces, Sebastián Andersen de El Plan de la Mariposa irrumpió en el escenario de sus amigos de La Vela durante Colabore. Lo vio a Cebolla de costado y aprovechó para cantar los segundos finales de una de las canciones más contestatarias de la banda uruguaya. La Vela y El Plan vienen de encontrarse en el Cosquín de Uruguay y grabar una zapada de Contradecir juntos para Billboard.Entre los shows más emotivos y explosivos, sobre todo en lo discursivo, estuvo el de Las Pelotas: arrancaron con Saben y sonó con mucha fuerza el "verás, siempre serán unas ¡ratas!", anticipando el enojo de Germán Daffunchio con el contexto local. También le dedicó Víctimas del cielo a su hermana, quien falleció recientemente. El show se desarrolló en esos términos, entre lo emotivo del duelo y el enojo con políticos que están discutiendo una ley de Glaciares que se basa en una lógica extractivista.<blockquote>"Quisiera decirle a los políticos argentinos que, a pesar de que parece que el mundo se ha convertido en una careta superficial donde todo se simplifica a ser lindo y pasarla bien, conozcan la Argentina, que recorran los glaciares antes de votar la ley. No pueden votar algo que no conocen", aseguró Daffunchio.</blockquote><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DWuEGdulTMz/"></oembed></figure>La Vela, por su parte, fue una fiesta -como ya nos tienen acostumbrados- y si bien no se refirieron puntualmente a ningún aspecto de la política local, eligieron una lista contestataria -aunque también festivalera- con canciones como Vuelan Palos y Colabore, esta última con una proyección de militares marchando y fotos de desaparecidos de fondo.&nbsp;Tiempo atrás, El Enano, Nico y Cebolla contaron a este medio que sus canciones más contestatarias siempre tuvieron un halo de alegría, que ellos como banda se separaron un poco del punky uruguayo que era muy oscuro.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/04/04/Camionero_23046_.jpg"></figure>Más temprano, Soporte 68 y Do Neurona estuvieron a cargo de la apertura. Los amigos del Pity Álvarez dieron un show recargado, a tal punto que cerraron con Religión de Intoxicados, evocando al exViejas Locas. Les siguió Autos Robados que fue recibido por una gran cantidad de su público en el escenario Ritual con muchas banderas, remeras de la banda, pogos nutridos y bailecitos rollinga. Vieja escuela.&nbsp;El pulso emergente se completó con el dúo Camionero, que fue coreado por todo el público presente. Si bien no es la primera vez que están en el Rock en Baradero, sí fue la primera en el escenario principal, en medio de una etapa de gran crecimiento. El dúo, integrado por Joan Manuel y Santiago, viene de impulsar su propio festival, Tracción a Sangre, que está en franco ascenso en los últimos años, incluso, con la participación de Rocambole. Ahora, les espera un show en el Teatro Flores para presentar su nuevo álbum en mayo, que aún les resta terminar. Pero eso queda para otra nota.&nbsp;A la tarde-noche del viernes no le faltó nada: desde Autos Robados y Camionero, pasando por Dancing Mood y Los Espíritus, hasta Las Pelotas, La Vela Puerca y el cierre a cargo de Kapanga, los “ciudadanos ilustres” de Baradero, a pura fiesta. Además de la música, el predio ofreció juegos como metegol, una plaza intervenida y stands de comida y bebida.A la tarde-noche del viernes no le faltó nada. Desde Autos Robados y Camionero, pasando por Dancing Mood y Los Espíritus, hasta Las Pelotas, La Vela y el cierre a cargo de Kapanga, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/04/22/rock-en-baradero-kapanga-fue-reconocido-por-asistencia-perfecta-horcas-llevo-el-metal-y-damas-gratis-cerro-a-pura-cumbia">"ciudadanos ilustres de Baradero"</a>, a pura fiesta como acostumbra la banda liderada por el Mono. Además de la música, el predio ofreció juegos como metegol, una plaza intervenida y stands de comida y bebida.

"Esta noche nada va a salir mal", cantaba en la tarde del viernes Autos Robados, anticipando lo que fue la noche. El calor agobiante, la transpiración y la posterior lluvia no opacaron el line-up explosivo. &nbsp;

"Esta noche nada va a salir mal", cantaba en la tarde del viernes Autos Robados, anticipando lo que fue la noche. El calor agobiante, la transpiración y la posterior lluvia no opacaron el line-up explosivo. &nbsp;

Rock en Baradero: del pulso emergente de Camionero y Autos Robados a la consagración de La Vela, Las Pelotas y Kapanga

La artista venezolana-argentina Roxana Frontini lanzó "Alta frecuencia", un single que invita transformar la realidad desde lo interno. "Soy una prueba viviente de lo que canto", asegura. Detrás del nuevo tema hay una historia atravesada por migraciones, crisis personales, reinvenciones y una decisión de apostar por la música como forma de vida."Alta frecuencia" tiene raíces pop con una fusión latina -propia de su origen- y capas electrónicas, distintivas en canciones como "Cristal" y "Hermandad". El nuevo single, según cuenta Rox, aleja de la idea de "manifestación", que deja todo en el afuera, y pone el foco en la transformación interna como punto de partida."Hay una frase que dice 'hay mejores puertas por abrir'. O sea, es como que hay un cambio dentro de mí, algo que no puedo resistir. Tengo más ganas de vivir y las condiciones para seguir. A lo largo de la vida tuve muchos retos. Hay mejores puertas y yo las voy a abrir", reflexiona la artista en diálogo con Filo.news.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=4vyXy3DKfvk&amp;list=RD4vyXy3DKfvk&amp;start_radio=1"></oembed></figure><h4>De Venezuela a Buenos Aires: la historia detrás de Roxana Frontini</h4>Nacida en Venezuela y criada entre Caracas y Buenos Aires, por las raíces argentinas de su padre, Rox estuvo desde chica atravesada por la música, su padre formó parte de la Fenix Jazz Band, histórico conjunto del Café Tortoni. La banda incluso figura en el Récord Guinness por sus presentaciones ininterrumpidas durante más de tres décadas."Yo crecí en ese mundo, cada vez que íbamos a Buenos Aires y papá se volvía a subir al escenario con la banda, yo estaba siempre en el booth de sonido de puntas de pie mirando todo (...) Me formo en música clásica, empiezo como corista con un cantante firmado por Sony Music. Empiezo toda esa carrera, coqueteo mucho con con pop-rock", cuenta con cierta nostalgia.&nbsp;Sin embargo, no todo fue fácil. Su madre es sobreviviente de cáncer, cuando ella 17 años la diagnosticaron, y es un momento clave para la vida de un adolescente, ya que es el período donde se comienza a estudiar. "En ese momento me doy cuenta que muchos de los artistas que están alrededor mío, no solo en el ámbito musical, ya también en ese momento venía diseñando y haciendo mucha ilustración de moda. Veía que el principal problema que tenían era que no entendían el valor de su propiedad intelectual, entonces decidí ir a la escuela de derecho", recuerda.Rox no solo se dedica a la música, sino que además es actriz, se desempeña en artes visuales y diseño, así como también dirige una consultora orientada al desarrollo de marcas de alto impacto. Después de recibirse de abogada, "me mudo a Buenos Aires, porque tenía el sueño de vivir allá, y hago un posgrado en la UCA en tecnología y empieza mi vida a tornarse aún más abogada de los negocios", explica sobre su sólida carrera profesional. &nbsp;También se formó en tango y llegó a armar un show en España, en paralelo a su carrera profesional en el mundo corporativo con el desarrollo de marcas. "La apertura no era como ahora, más allá de que nos falta... este tema que de noche me subo al escenario y de día estoy con un montón de personas que solo se dedican a los negocios, teniendo en cuenta que yo era la más joven en la oficina, la única latina, no existía", reconstruye. Finalmente se instaló en Estados Unidos, donde terminó de consolidar su perfil empresarial.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/04/07/RoxanaFrontini_AltaFrecuencia_DSC098199056_.jpeg"></figure>Uno de los momentos más determinantes de su vida llegó cuando decidió apostar de lleno por su faceta artística. En ese proceso, sufrió una parálisis facial que la dejó un año sin poder cantar. Ese episodio marcó un quiebre en su carrera y en su forma de entender la música. Durante ese tiempo, profundizó en estudios sobre sonido, frecuencias, física cuántica y metafísica.&nbsp;Además de música, su proyecto incluye una dimensión visual, ya que Frontini ilustra, pinta y desarrolla obras inspiradas en cada canción. En “Alta Frecuencia”, esa búsqueda se traduce en un videoclip que combina producción analógica con herramientas tecnológicas, incluida la inteligencia artificial, "como herramienta de amplificación, no de reemplazo".<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=hRAhZ68MzuU"></oembed></figure>A lo largo de la entrevista, aparece constantemente su vínculo con Latinoamérica y contextos atravesados por crisis políticas, económicas y sociales —desde el corralito argentino hasta los cambios estructurales en Venezuela— que la marcaron.La migración, las crisis personales y la decisión de vivir de la música atraviesan su obra. "No empiezo de cero", dice en Alta frecuencia. Y es que, si bien un cambio radical en su carrera profesional o la inmigración pueda parecer un volver a empezar, no hay punto cero: hay historia, experiencia y decisiones que la empujan hacia adelante.&nbsp;

Con una historia atravesada por migraciones, crisis personales y reinvenciones, la artista presenta un single que pone el foco en el cambio interno. "Alta frecuencia" tiene raíces pop con una fusión latina y capas electrónicas.

Con una historia atravesada por migraciones, crisis personales y reinvenciones, la artista presenta un single que pone el foco en el cambio interno. "Alta frecuencia" tiene raíces pop con una fusión latina y capas electrónicas.

Roxana Frontini presentó "Alta frecuencia": identidad, crisis y reinvención en electropop

A 50 años del último golpe cívico-militar en la Argentina, la restitución de identidades de los niños apropiados entre 1976 y 1983 es un proceso que continúa abierto. Los familiares de las víctimas del terrorismo de Estado encabezados por las Abuelas de Plaza de Mayo continúan buscando más de 300 nietos.La historia de Pedro Luis Nadal García, nieto número 80 recuperado por las Abuelas de Plaza de Mayo y su incansable búsqueda, como la de tantos otros condensa un entramado que aún años después de finalizada la dictadura continuaba funcionando.&nbsp;Pedro recuperó su identidad recién en 2004, cuando tenía 29 años, luego de una búsqueda atravesada no solo por el silencio de la dictadura, sino también por obstáculos que persistieron durante décadas. “Hubo gobiernos que encubrieron y eso fue lo que posibilitó que pasaran 29 años hasta que recupere la identidad”, señaló en diálogo con Filo.news.En su caso, las citaciones judiciales no llegaban o eran directamente interceptadas. La estructura que debía garantizar el acceso a la verdad se volvía, en algunos momentos, un filtro. “Había un sistema policial que no dejaba que pasen esas cosas”, describe sobre los intentos fallidos de notificación.&nbsp;"Desde el '83 me están citando", cuenta Pedro. Al mismo tiempo que reconstruye su historia: "En esos años, mi apropiador llevó a hacerse los estudios a su hijo biológico y le hicieron los exámenes de compatibilidad y dio que era hijo suyo".&nbsp;Si bien esa causa se discontinuó, Pedro destacó que Abuelas de Plaza de Mayo insistió en su caso y pudo generar otras causas para buscarlo debido a que había indicios. En ese sentido, jugaron un rol central los vecinos de la zona, conocidos y hasta personas del entorno de quienes lo habían apropiado, que realizaron denuncias durante años.“La sociedad misma denuncia y genera las condiciones para que las Abuelas puedan investigar”, explica Pedro, a quien ese entramado de testimonios cercanos le sirvió para que la causa no se cerrara definitivamente, incluso cuando una primera investigación había quedado inconclusa. La persistencia —judicial, pero también social— fue lo que terminó abriendo el camino.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DWRewrLganV/?hl=es-la&amp;img_index=1"></oembed></figure>La restitución no implicó empezar de cero, sino reconfigurar una vida construida sobre otra base. “No cambió la persona, lo que sumó fue verdad”, dice Pedro. Hasta el momento, sus apropiadores le habían dicho que él fue abandonado de niño y ellos lo adoptaron: "Yo estaba agradecido", recuerda en base a su historia. Sin embargo, todo cambió el día que se enteró que no había sido "abandonado" sino "apropiado". "Esas verdades generan un camino que deja de estar basado en la mentira y comienza a transitar en verdades. Después, queda reconstruir la identidad que es algo obligatorio", apuntó.Sobre la identidad, añadió: "Sumó entre tantas cosas saber que mi madre no me abandonó, que mi madre luchaba por algo que ella creía y por un mejor lugar para todos nosotros, al igual que mi padre. La diferencia está ahí: no fui abandonado, fui apropiado".<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DWRewrLganV/?hl=es-la&amp;img_index=5"></oembed></figure><h4>La educación como punto de quiebre</h4>Si hay un cambio que, para Pedro, marca una diferencia entre generaciones, es el lugar de la educación en la construcción de memoria. “Nosotros no teníamos estas charlas en las escuelas. Hoy los chicos sí las tienen y preguntan de todo”, plantea.Ese dato genera un cambio, ya que la memoria circula en espacios institucionales donde se habilitan las preguntas. La escuela, en ese sentido, funciona como un punto de acceso temprano a la historia reciente. Mantener viva la memoria ayuda a que no solo no se repita la historia, sino también para que se construyan condiciones para que quienes tienen dudas puedan reconocerlas.<blockquote>"Todavía se buscan más de 500 niños apropiados, yo soy el número 80. Falta todavía", asegura Pedro.&nbsp;</blockquote>La restitución de identidades no es solo una reparación individual, sino también una tarea colectiva que involucra al Estado, a la sociedad y, cada vez más, a las nuevas generaciones.&nbsp;

La historia de Pedro Luis Nadal García, nieto número 80 recuperado por las Abuelas de Plaza de Mayo y su incansable búsqueda, como la de tantos otros condensa un entramado que aún años después de finalizada la dictadura continuaba funcionando.&nbsp;

La historia de Pedro Luis Nadal García, nieto número 80 recuperado por las Abuelas de Plaza de Mayo y su incansable búsqueda, como la de tantos otros condensa un entramado que aún años después de finalizada la dictadura continuaba funcionando.&nbsp;

A 50 años del golpe: cómo el encubrimiento estatal demoró décadas la recuperación de identidades

AC/DC hizo vibrar a la Argentina en la noche del lunes 23 de marzo en la primera de sus tres presentaciones en el estadio Monumental. Con la potencia intacta de un rock que desafía el paso del tiempo, los músicos de entre 70 y 78 años ofrecieron un show de más de dos horas y media, atravesado por extensos solos de guitarra y una lista de 21 canciones en las que recorrieron todo su repertorio desde High Voltage (1975) a Power Up (2020).&nbsp;A 30 años de su primera presentación en la Argentina, Angus Young salió vestido con los colores de la bandera, con su distintivo uniforme de adolescente de escuela secundaria. Y si bien el paso nos muestra a todos limitaciones, él parece haber hecho un pacto con el diablo porque a pocos días de cumplir 71 años (31 de marzo, fecha en la que realizará su último show en Buenos Aires) recorrió todo el escenario de punta a punta, pasando por la pasarela del medio e incluso tirándose al piso en un solo de guitarra que duró cerca de 20 minutos y pidiendo la ovación del público en cada acorde.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/03/24/79324_.png"><figcaption>Angus Young y Brian Johnson volvieron a la Argentina e hicieron vibrar River | Foto: @lautse</figcaption></figure>Apenas pasadas las 21 horas, se apagaron las luces y en las pantallas se observó una ruta y un auto a toda velocidad cruzando por allí, con el rugido del motor yendo a 150 kilómetros por hora. Cuando terminó la pequeña proyección, AC/DC salió después de 16 años y tres meses al escenario del estadio de River Plate, donde hicieron historia en diciembre de 2009 y grabaron su DVD más icónico.&nbsp;Arrancaron al calor de If you want blood (you got it), Back in black y Demon fire. Arriba del escenario se sentía la emoción de volver a la Argentina, Brian Johnson saludó en castellano: "Buenas noches, Argentina. ¿Cómo va?", y añadió: "It's good to see you all again. Tonight we're gonna make some rock and roll singing".&nbsp;Personas de diferentes partes del país se congregaron desde temprano al estadio Monumental con la intención de reeditar aquella misa de 2009. Los que no llegaron a vivirla por edad o por algún otro motivo este 2026 tienen la posibilidad de ver a sus ídolos en vivo y en directo. Tal vez con los pelos un poco más blancos y las canciones un tempo más abajo, pero emocionando como en 1996 y 2009.&nbsp;Pero no eramos solo argentinos, desde diferentes puntos del mundo vinieron a ver como nuestro público -único en el mundo- volvía a recibir a AC/DC.&nbsp;La sensación que genera ver a la banda con la que creciste muchas veces se explica más desde la emoción que desde la razón. Objetivamente, siguen teniendo una potencia increíble, canciones para saltar, agitar las cabezas y levantar los puños como todos los que vieron aquel DVD de River querían hacer. Más de una lágrima recorría las caras de los asistentes y otras tantas sonrisas estaban casi tatuadas.&nbsp;Si bien la gira está centrada en la presentación de Power UP, que no se pudo hacer antes por la pandemia de covid-19 y también por la exigencia que representa una gira internacional de esta envergadura para hombres, los grandes éxitos como Thunderstruck, Hells bells -con la campana bajando desde el techo del escenario-, Highway to hell o Shoot to thrill no podían faltar.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/03/24/@Pabloalonsoph_AC-DC_23.3.26-81210_.jpeg"><figcaption>Angus Young haciendo un solo de guitarra de 20 minutos, tirado en el suelo | Foto: @pabloalonsoph</figcaption></figure>A diferencia de 2009, canciones como Riff Raff, Sin City, Have a drink on me y Jailbreak, volvieron a tener lugar en un setlist y generaron sorpresa en aquellos que aún no habían buscado la lista de canciones que la banda realizó alrededor del mundo, ya que fue la misma para toda la gira.Hacia el final del show repasaron también High Voltage, You shook me all night long, ⁠Whole lotta rosie y ⁠Let there be rock, esta última, como acostumbra Angus, tuvo un intenso solo de guitarra, donde llegó a ascender desde el medio de la pasarela y terminó revolcado en el piso, demostrando una vez más que la edad no pasa para él.T.N.T fue el inicio del fin, pero en el medio del campo se vivió como un nuevo arranque. Todos expectantes y cansados, pero sin ganas de que Angus Young, Brian Johnson, Stevie Young, Matt Laug y Chris Chaney se despidan. El cierre, como todos ya esperaban al calor de los cañonazos, fue con ⁠For those about to rock. &nbsp;

AC/DC hizo temblar River y confirmó que la autopista al infierno sigue abierta, a más de 16 años de hacer historia | Foto: @pabloalonsoph

Con la potencia intacta de un rock que desafía el paso del tiempo, los músicos de entre 70 y 78 años ofrecieron un show de más de dos horas y media. A 30 años de su primera presentación en la Argentina, continúan despetando sensaciones.

Con la potencia intacta de un rock que desafía el paso del tiempo, los músicos de entre 70 y 78 años ofrecieron un show de más de dos horas y media. A 30 años de su primera presentación en la Argentina, continúan despetando sensaciones.

AC/DC hizo temblar River y confirmó que la autopista al infierno sigue abierta, a más de 16 años de hacer historia

Soda Stereo debutó con el primero de sus diez Arena de Villa Crespo en el marco de la gira "Ecos", un show atravesado por la tecnología y la nostalgia. Pasadas las 21 salieron Charly Alberti y Zeta Bosio al escenario, después de una larga espera y con un setlist emocionante, a la altura de la discografía de una de las bandas más grandes de latinoamérica. Este domingo repiten.Gracias a la tecnología, Gustavo Cerati -fallecido el 4 de septiembre de 2014- fue retomado con voz y guitarra, y se posó -digitalmente- a la izquierda de Charly y Zeta. Sin embargo, la tecnología también muestra sus limitaciones.&nbsp;Si hay algo que distingue a los shows en vivo de otros formatos, eso es la conexión de los artistas con su público. Algo que escaseó porque Gustavo -en un formato digital- como vocalista de la banda no tenía la posibilidad de crear ese lazo y ni Charly ni Zeta tuvieron a la mano un micrófono.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://twitter.com/filonewsOK/status/2035715295889776709"></oembed></figure>La reconstrucción &nbsp;de la voz y la guitarra, retomada de los vivos y grabaciones de estudio, está lograda. La banda elige no hablar de un "holograma" que fue la primera idea del público cuando se lanzó allá por septiembre la gira, pero sí funciona como una presencia digital que encaja perfectamente en cada canción.&nbsp;El setlist estuvo a la altura de la historia de Soda Stereo, que cuenta con un repertorio increíble. Fue directo a la nostalgia de aquel padre que fue con sus hijos o del grupo de jóvenes amigos que recorrían el campo del Arena.&nbsp;Arrancaron con "Ecos", canción que le da nombre a la gira, siguieron con “Juegos de seducción” y “Nada personal”. Después llegó el turno de clásicos como “Hombre al agua”, "Ella usó mi cabeza como un revólver", “Cuando pase el temblor”, “En la ciudad de la furia”, “Persiana americana” "Un misil en mi placard" y “Prófugos”, que el público canta como si el tiempo no hubiera pasado.Las visuales fueron una parte importante del show, con un juego de pantallas gigantes arriba y hacia los costados del escenario. A veces retomando a los músicos y en canciones como Zoom -donde no estuvieron Zeta y Charly en vivo- captaron por completo la atención del público.El cierre con “De música ligera” remasterizado con imágenes de diferentes vivos de Soda —con Charly y Zeta en el medio del campo— funcionó como un golpe final a la nostalgia.&nbsp;Por delante quedan aún otros nueve shows agotados y, en medio de la euforia por Soda Stereo, ya anunciaron el lanzamiento de nuevas funciones que estarán a la venta a partir del 23 de marzo.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/03/22/undefined"><figcaption>"Ecos" el show de Soda Stereo llegó al Arena de Villa Crespo | Foto: Ignacio Arnedo (@arnedonacho).</figcaption></figure>“Ecos” no busca ser un homenaje ni un tributo o una película: es un experimento de vanguardia, como bien dijeron Charly y Zeta. Un show que abre la posibilidad de que los artistas nunca se vayan del todo. La pregunta es a qué costo.Porque si bien la tecnología permite "revivir" a Cerati con una fidelidad asombrosa, también confirma algo que quizá ya sabíamos: hay algo en la música en vivo que no se puede programar.

Con una puesta en escena volcada a la innovación para traer de vuelta a Gustavo Cerati, Soda Stereo inauguró “Ecos” | Foto: Ignacio Arnedo (@arnedonacho).

Con una puesta en escena volcada a la innovación para traer de vuelta a Gustavo Cerati, Soda Stereo inauguró “Ecos” entre la emoción del setlist y una distancia que la tecnología, por momentos, no logró acortar.

Con una puesta en escena volcada a la innovación para traer de vuelta a Gustavo Cerati, Soda Stereo inauguró “Ecos” entre la emoción del setlist y una distancia que la tecnología, por momentos, no logró acortar.

Soda Stereo dio su primer de los 10 shows de la gira "Ecos", marcado por la tecnología y la nostalgia

Después de más de cinco décadas de música, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/03/25/joaquin-sabina-emociono-a-la-argentina-en-su-despedida-y-declaro-su-amor-por-buenos-aires">Joaquín Sabina se despidió a fines de noviembre de los escenarios</a>, dejándo una extensa discografía con 18 álbumes y más de 200 canciones, que mezclan poesía urbana, noches largas y una sensibilidad que muchas veces dialoga con el tango. El legado del cantautor español ahora está sostenido por La Banda Sabinera, que está integrada por los músicos que lo acompañaron arriba del escenario y llega a Buenos Aires por primera vez sin "El Jefe", a casi un año de que comience el tour "Hola y Adiós" en la Argentina.&nbsp;Mara Barros, Jaime Asúa, Paco Beneyto, Laura Gómez Palma y Antonio García de Diego —músicos históricos del cantautor— llegaron a la Argentina con La Banda Sabinera, un proyecto que nació casi de manera natural cuando el propio Sabina descansaba de las giras. Con el tiempo, ese espacio paralelo se transformó en un espectáculo propio donde las canciones del repertorio sabinero se reinterpretan y, sobre todo, se celebran con el público.En diálogo con Filo.news, Mara, Laura y Antonio repasaron cómo vivieron el cierre de la gira Hola y adiós, el retiro de Sabina de los escenarios, repasaron parte de su historia junto al cantautor y dieron algunas pistas de lo que será el show en el Teatro Coliseo.Periodista: ¿Cómo nace La Banda Sabinera y cómo llegaron a este proyecto?Mara Barros: Esto no empezó hace un par de décadas, yo llevaba ya 16 años trabajando con Joaquín y el proyecto ya existía, aunque antes se llamaba La Noche Sabinera. La idea siempre fue que cuando Joaquín descansaba, nosotros no. Seguíamos tocando sus canciones.Esta es la primera vez que venimos a Argentina con la banda completa y con este nombre. Antes veníamos en formato trío o dúo, pero ahora somos los cinco miembros de la banda.P: ¿Cómo los recibe Buenos Aires, una ciudad tan ligada a Sabina?Antonio García de Diego: Siempre nos ha tratado muy bien. Estamos tan dentro del mundo sabinero de Buenos Aires que nos sentimos muy cómplices y cercanos. Todo es más fácil acá por el vínculo que hay con las canciones.Yo siempre he dicho que Joaquín escribe muy tanguero. Parte de su obra tiene mucho que ver con el mundo del tango, con ese tono oscuro, melancólico. Y luego aquí está Laura, que es la representante porteña de la banda, así que somos cercanos.P: ¿Cómo vivieron el cierre de la gira Hola y adiós y la despedida de Joaquín Sabina?Mara Barros: Yo lo viví muy mal, muy triste. Me niego a asumirlo. Lo estoy asumiendo porque no me queda otra, pero es un duelo complicado. No solo como empleada suya, sino como admiradora. Me da muchísima pena que se retire de los escenarios.Intenté disfrutar mucho esta gira precisamente por eso. Era un poco agridulce, sabiendo que nunca más íbamos a estar en ciertos lugares con Joaquín.&nbsp;Laura Gómez Palma: Había momentos de nostalgia anticipada, pero también de mucho disfrute, de pensar “bueno, ya que es la última vez”. Hubo conciertos muy especiales: el último en Buenos Aires, el último en México… Y el cierre final en Madrid, donde se grabó un directo. Fue raro, porque era el último de todo pero teníamos cámaras delante, no era exactamente el final que nos imaginábamos. Pero lo emotivo fue toda la gira.Antonio García de Diego: Yo lo viví desde otra perspectiva, quizá por la edad. Tengo la misma edad que Joaquín y siempre me quise retirar con él. He tenido el privilegio de poder hacerlo. Habíamos ido masticando esto que iba a ocurrir durante un año. Marita en los primeros conciertos era La Magdalena, pobrecita la veíamos muy sentida. Yo quizá por la edad, pues sabía que esto iba a ocurrir, lo que pasa para mí todavía es más penoso porque sé que es la última vez. Esta gente son jóvenes.&nbsp;P: Pero estás acá.Antonio García de Diego: No, estoy aquí, pero entiéndeme con Joaquín, digo. ¿Qué hará Joaquín a futuro? ¿Qué sabe nadie? Pero sí tengo la posibilidad de no sentirme tan viejo y me quiero sentir más joven junto a ellos en La Banda Sabinera. Entonces, aprovecho esto para sentirme más vivo y para hacer las canciones de Joaquín que son las que nos mueven a todos.P: Estuvieron en muchas etapas de su carrera. ¿Cómo fueron aquellos años de composición y grabación?Antonio García de Diego: Yo he vivido varias etapas de Joaquín. He vivido una etapa muy eufórica, nos movíamos en mundos muy especiales y la pasión que había con la que se componía, la curiosidad.&nbsp;Luego tuvimos la mala suerte de vivir el desastre de cuando tuvo el ictus -ACV-, que a partir de ahí nos encontramos con un Joaquín encerrado en sí mismo, que no quería hacer nada, que realmente era un esfuerzo que intentase cantar, dar una nota de cualquier canción y esa época fue muy difícil.Hubo que reinventarse. No fue quizá el mejor Joaquín, ni nosotros los mejores compositores nosotros, pero lo sacamos adelante y poco a poco Joaquín fue tomando otro camino, con más ganas. Luego ya empezó a trabajar con Leiva, otro tipo de cosas.&nbsp;Ha sido una curva, un hoyo muy grande en la vida de Joaquín y obviamente en la nuestra. De hecho, estuvimos parados 3 años, donde parte de la banda estuvo tocando con otra gente, pues porque tenemos que trabajar. Pero afortunadamente luego tuvimos la suerte de poder encauzar y hacer que Joaquín tuviera una cierta ilusión. Después de esa época se grabaron canciones como Peces de Ciudad, ¿me entiendes?Joaquín huía, nos ha llegado a dejar en el estudio, se fue a Madrid y no volvió. Nos quedamos allí cinco días sin saber nada. Han pasado cosas de ese tipo, ¿entiendes? Ha sido muy difícil en una etapa, pero afortunadamente hemos recuperado al Joaquín ya maduro y con una sabiduría enorme y hemos disfrutado de él.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DVzOYUnEQQX/"></oembed></figure>P: Ahora que están girando con La Banda Sabinera, ¿qué se va a encontrar el público en el show?Mara Barros: La fiesta es alrededor de las canciones de Joaquín, pero más allá de que nosotros interpretamos las canciones de "El Jefe", el aliciente real es el público. En la segunda parte del espectáculo invitamos a gente a subir al escenario a cantar con nosotros. Es como un karaoke en vivo: pueden sentirse Sabina por unos minutos, cantando acompañados por su propia banda. Y eso lo vuelve muy divertido.P: ¿Cómo arman el repertorio? ¿Utilizan parte del setlist del cierre de la gira?&nbsp;Laura Gómez Palma: No, para nada. Hay canciones clásicas que siempre están, otras muy festivas que las dejamos para que el público las pueda elegir y también se rescatan muchas canciones viejas, que quizás Joaquín hace muchos años que no las toca.&nbsp;Antonio García de Diego: Nosotros elegimos el repertorio en función de nuestras posibles habilidades o gustos. También depende mucho del lugar donde toquemos. Si venimos a Buenos Aires, por ejemplo, siempre pensamos qué canción sería un guiño especial para esta ciudad. ¿Qué canción habría que cantar en Buenos Aires, Erika?P: Dieguitos y Mafaldas, no puede faltar.&nbsp;P: Si tuvieran que elegir una canción del repertorio que más disfrutan cantar, ¿cuál sería?Antonio García de Diego: Hay una que siento mucho, aunque ahora no la estoy cantando. "Amor se llama el juego", es una canción muy cruel, pero con un doloroso placer. Cuando la canto la presento como una canción dulcemente cruel.Mara Barros: Me cuesta, porque me gustan muchas, pero disfruto especialmente “Peces de ciudad”. También “Y se amanece por fin”.Laura Gómez Palma: Yo me divierto mucho con las más rockeras, pero también me emociono mucho con "Amor se llama el juego" y "Peces de Ciudad". También me encanta "La canción más hermosa del mundo", pero ahora no la estamos haciendo. El repertorio es enorme, es difícil elegir.P: Pensando a futuro: ¿cómo creen que se recordará a Sabina dentro de veinte años?Antonio García de Diego: Con la deriva que está llevando el mundo, se me hace un poco difícil pensar esos hipotéticos 20 años. Pero entiendo que Joaquín es atemporal. Su público es intergeneracional: en sus conciertos ves gente de 70 años y chicos de 20. Probablemente la inteligencia todavía esté acá en 20 años, no la artificial sino la sensitiva y que todavía se darán cuenta de que pasaban cosas muy emocionantes en una época determinada de que había gente que escribía como escribía como escribe Joaquín.Laura Gómez Palma: Creo que el público de Joaquín es tan ultra sabinero que el propio público se va a encargar de transmitirlas. Es algo que pasa de generación en generación. Vos vas a un concierto de Joaquín y van abuelos, padres y nietos. Hay fans de 20 años que ya llevan tatuadas cosas en los brazos. Quiero creer que eso puede pasar a una generación más y que, como dijo Mara, las canciones de Sabina son atemporales y sobrevivirán mucho más.&nbsp;Mara Barros: Las canciones de Joaquín van a sobrevivir, no porque nos encarguemos nosotros, sino porque confío en que los medios continúen dándole espacio a las canciones de Joaquín en 20 años y que pasen de generación en generación. Pero sí es algo que me preocupa seriamente. Para los nietos de mis amigas, ¿quién será un clásico? ¿Sabes? Porque si para los hijos de mis amigas Sabina es un clásico, para los nietos, ¿quién será? A mí eso me me me preocupa profundamente, espero haber muerto.&nbsp;Lo que sí me preocupa es el momento de la industria musical, lo digo como solista también. Las nuevas generaciones hacen otro tipo de música y los medios no siempre dan espacio a los cantautores.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=tFgPdo8bFX8"></oembed></figure>Entre recuerdos de giras, reflexiones sobre el futuro de la música y la emoción por el final de una etapa, La Banda Sabinera llega al Teatro Coliseo de Buenos Aires para celebrar un cancionero que ya forma parte de la memoria colectiva.Porque si algo quedó claro en la charla es que las canciones de Joaquín Sabina, como ellos mismos dicen, “se sostienen solas”. Y mientras haya alguien dispuesto a cantarlas —en un teatro o arriba de un escenario improvisado—, ese universo seguirá vivo.

La Banda Sabinera llega a Buenos Aires por primera vez sin Joaquín. Laura, Mara Barros y Antonio García de Diego, históricos músicos del cantautor español, hablaron con Filo.news del cierre de la gira "Hola y adiós", su historia con el jefe y del espectáculo que revive ese repertorio con fans arriba del escenario.

La Banda Sabinera llega a Buenos Aires por primera vez sin Joaquín. Laura, Mara Barros y Antonio García de Diego, históricos músicos del cantautor español, hablaron con Filo.news del cierre de la gira "Hola y adiós", su historia con el jefe y del espectáculo que revive ese repertorio con fans arriba del escenario.

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